Premio de Fotografía del año

Dentro de poco más de dos meses, y después de pasar por ciudades como Tokyo, Moscow, Madrid o  Berlin, el más célebre concurso de fotoperiodismo del mundo llegará al Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona para mostrarnos las obras premiadas en su última edición. Con tan sólo un vistazo a la última edición de los premios World Press Photo, uno se da cuenta que hay veces que las palabras sobran.

Pero nunca llueve a gusto de todos. En esta ocasión, la polémica surgió al anunciar la imagen ganadora del premio Foto del Año, “Roofs of Teheran” del italiano Pietro Masturzo, que retrata a unas mujeres gritando consignas contra el régimen de Ahmadinejad, ya de noche,  desde la azotea de un edificio de Teheran días después de las elecciones presidenciales de Irán, y que se enmarca en la oleada de protestas que se produjeron en la capital tras las reñidas elecciones.

Las críticas se centraron sobretodo en el evidente retoque fotográfico que se aplicó a dicha fotografía, en la que destaca el viñeteado aplicado a la toma, algo en teoría poco  propio del fotoperiodismo.

El jurado, no obstante, remarcó la emotividad de la imagen de Masturzo, que sugiere de forma menos explícita el comienzo de algo desde una perspectiva distinta a la habitual. Y personalmente, comparto la decisión.

Es cierto que el retoque fotográfico consigue en cierta manera distorsionar la realidad, o como mínimo, intensificar aquello que nos interesa, aportando algo así como una calidad falseada. Por eso hay quien considera que el fotoperiodismo debería centrarse en los hechos retratados, lo que representan y tal y como lo hacen,  pero evitando cualquier tipo de tratamiento posterior.

No obstante, al igual que un escritor no debe sólo saber escribir, sino que tiene que aprender a transmitir, un fotógrafo no ha de saber únicamente usar su cámara fotográfica, sino que debe tener en cuenta qué es lo que está viendo, lo ello significa, qué quiere contar y cómo tiene que hacerlo para que el público llegue a entender el mensaje. Y considero que la fotografía seleccionada lo logra. Porque, apartándose de la crudeza de brazos y piernas amputados, a priori más impactantes, la obra muestra la misma realidad desde un punto de vista más oculto, llenándonos de sensaciones, sentimientos y opiniones que van algo más allá de la empatía hipócrita inicial .

Dejando de un lado la foto del año,  los premios de esta edición han abierto además la veda a fotografías no profesionales, otorgando una mención especial a un fotograma de un vídeo de Youtube, que corresponde a la joven manifestante Neda asesinada en las protestas por los resultados de las elecciones de Irán. Parecería un guiño a favor de la aceptación del fotoperiodismo como mecanismo para immortalizar momentos histórico, en cualquiera de sus formas, s si no fuera porque, tal y como añaden a la mención, el jurado tan sólo valora tipo de imágenes cuando, según ellos, no ha sido posible que la hiciera un fotógrafo profesional. En fin.

Polémicas aparte, lo cierto es que resulta innegable la calidad de las fotografías premiadas.

2º premio en la categoría Vida cotidiana

Ciego de nacimiento, Pandu estuvo viviendo en un orfanato hasta que fue adoptado por una pareja americana. Jason, el padre, también ciego, quiere ayudar a su hijo a hacer frente a la vida cotidiana.

1r premio en la categoría vida cotidiana

Metro de Tokio. Cada día lo usan más de 8 millones de personas.

2º premio en la categoría de arte y entretenimiento

La Société des Ambianceurs et des Personnes Élégantes (SAPE), en el Congo-Brazzaville, se remonta a los años 1920 y 1930, cuando algunos congoleses  regresaron elegantemente vestidos de sus visitas a París. Los miembros del SAPE, conocidos como Sapeurs, se ven a ellos mismos como artistas y con frecuencia actúan de forma distinguida. Algunos incluso tienen la condición de celebridad.

3r premio en la categoría Temas de actualidad

Bombardeo en Gaza, enero de 2009.

1r premio en la categoría Noticias de actualidad

Dos jóvenes fumando crack en Reno, el barrio más pobre de la capital de Guinea Bissau. El crack era desconocido en Guinea hasta que llegaron traficantes internacionales. El país se ha convertido en un paraíso de tráfico de cocaína.

Será todo un lujo poder disfrutar de estas fotografías en la capital condal.

Más información: http://www.elfotografico.com/2010/02/photoshop-gana-el-world-press-photo/
Calendario

Hace cosa de tres meses, la casualidad me llevó a visitar el Palau de la Virreina, centro de arte contemporáneo situado en pleno centro de Barcelona.  En esa ocasión, coincidí con una exposición dedicada a José Pérez Ocaña, el que fue Reina de las Ramblas.

Siempre he aborrecido a los cultumitos, esos que, por A o por B, han sido empujados a lo más alto en reconocimiento a una carrera supuestamente infravalorada y a una muerte excesivamente gore. El caso es que hay veces que, aún cumpliendo  con todos los requisitos, acaban  quedándose en la sombra. Y para mi, y salvando las distancias, ese es el caso de Ocaña.

A su manera, Ocaña quiso enseñar a Barcelona su particular forma de ver y de vivir el mundo. Y coincidió con una época de clara discordia, puesto llegó a la Barcelona de 1973 para dar cara y voz al colectivo gay, a la libertad de expresión y a la necesidad de la sociedad de la época de destaparse los ojos ante el mundo.

Travestido y paseándose por las Ramblas o pintando, en cualquier caso Ocaña destacaba por su forma de vivir, de expresarse ante un país todavía anclado en el pasado. Fue polémico y provocador, pero sin más intención que llamar la atención, que luchar por lo que creía haciendo lo que le gustaba y dándole un codazo a la sociedad para despertarla.

Querido y admirado por muchos, aunque quizás algo olvidado, Ocaña llegó a Barcelona para dejar huella. Y es que, tal y como mi abuela me dijo una vez, “no hacía daño a nadie, él pintaba y se disfrazaba de mujer”. Simplemente.

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Silencio: “de todas las palabras, la más poética y más perversa: ella misma es la prueba de su muerte” (George Bataille).

Hace poco más de una semana se inaguró en la Fundació Joan Miró de Barcelona, dentro del ciclo “Silenci explícit”, la exposición “Arquitectures de silenci”, obra del artista checo Tom Kotik.

Ahí está. Una sala pintada completamente de blanco. Cuatro elementos/obrasdearte: Impulso racional, formado por dos cajas insonorizadas que esconden música rock; Untitled (for Jan), un atril con altavoces que vibran compulsivamente al ritmo de un sonido desconocido para el público; Felt drawings, o tres piezas de fieltro talladas con la forma de amplificadores de guitarra eléctrica o bajo, y Soundstudies, elementos construidos con material aislante profesional. Y de fondo, la risa escondida de un grupo de jóvenes que se mediomueve al ritmo de la música del primero. Qué conmovedor.

Siempre he admirado a aquellos que tienen ideas que yo nunca habría tenido, que saben hacer cosas que a mí ni se me habrían pasado por la cabeza, de la misma manera que he odiado a los culturetas gafapasta que optan por tragarse películas iraníes en las que otro de su misma tribu se pasa dos horas seguidas mirando a la cámara sin abrir la boca porque eso mola y es guai ya que es sólo para listos.

Desgraciadamente, en Arquitectures de silenci Kotik sólo aparenta ser de los segundos, aprovecha la superficialidad del silencio y la explota sin conseguir llegar más que a su visión más simple: el contraste con el ruido.

Sí, es cierto que la palabra arquitectura delimita quizás la magnitud de la exposición, pero también es verdad que, detrás de esa primera capa, el silencio da forma a todo un mundo mucho más amplio, complejo, atractivo y cruel que el que se nos muestra. El autor ha querido jugar con el vacío, el no-color, el volumen, las formas, incluso el movimiento, la insinuación, el dominio del sonido, dándole un toque de crítica socio-política, contrastando la presencia física del silencio desde un punto de vista material con su ausencia en significado, pero le ha faltado implicar también a muchos más campos, más formas de expresión, transmitir verdaderamente el silencio a través de su, sí, arquitectura.

Una lástima, puesto que alguna de las ideas era verdaderamente brillante. Otra vez será.

Paseando por tierras romanas, después de haber visitado ya los Greatest hits de la Guía Michelin, tropecé  hace unos meses con lo que, en un primer momento, pareció una exposición de Beatrix Potter. Craso error.

Se trataba de una exposición inagural de Cristina Gardumi, italiana de 29 años, licenciada en Arte dramático, en la que se presentaban las actividades de Imargini, una asociación de artistas que pretende tratar conjuntamente disciplinas como el teatro, la pintura, la fotografía, literatura, la música, alejándose de su tradicional separación para experimentar con ellas de una forma mucho más real, más completa y creativa.

Las obras expuestas escenificaban una combinación de inocencia y perversión realmente sorprendente. En las paredes, dibujos sencillos a la par que sugerentes basados en retratos de animales. Y presidiendo la sala, una alfombra hecha de consoladores. Pero lejos de parecer una típica/tópica intromisión en el mundo de lo erótico-morboso, la obra unía sexualidad y sensualidad de una forma mucho más sugestiva, desde una perspectiva más insinuante. Una, permítanme decirlo, delicia.

La obra que se estrenaba, “Il bello degli animale è che ti voglione bene senza chiedere niente” (lo bueno de los animales es que quieren el bien sin pedir nada),  habla de la vida, y sobretodo la muerte. Es la historia de una persona que espera, en la que cuatro personajes discuten envueltos en sueños, en enfermedad y sufrimiento.

Os dejo aquí el trailer de la obra. Bon appétit.

“Habitable” es una exposición, formada por  una serie de obras de diferentes características, que conforman  un mundo creado para soñar y  despertar la imaginación; un mundo surrealista,  habitado por figuras humanas de escala reducida donde cualquier idea es válida.

“Habitable” es también una pregunta que el propio Rafael Picó, hace a  los espectadores. Preguntándoles si es habitable su vida, sus hogares o incluso si ellos mismos son habitables. 

De carácter multidisciplinar, la exposición se compone de escultura, pintura y video; además, para contestar a la pregunta de habitabilidad, el visitante tiene a su disposición unas hojas, donde puede explicar su visión del concepto.  

En cuanto a la técnica, los cuadros están hechos con esmalte sobre tabla y para su realización no usa el pincel, sino la técnica del dripping, pero a diferencia de J. Pollock, esta es controlada por medio de unos dosificadores, realizando formas y dibujos. En cuanto a las esculturas, se trata de tablones de madera donde construye siluetas y edificios de cerámica, que también aparecen en los cuadros sólo que aquí en tres dimensiones. Hay tres posturas básicas de los personajes caminando, arrastrándose y sentados pensando, lo que hace referencia a los sueños, los caminos y a los pensamientos sobre lo que es habitable y la búsqueda del lugar de cada uno.  Respecto al video, es una proyección del montaje de la propia exposición, donde se puede apreciar la técnica anteriormente citada.

Esta muestra se puede ver hasta el próximo 11 de marzo en LA LISA arte contemporáneo en Albacete, situada en la C/Marqués de Villores, 70.

Margolles pondera en las explicaciones a sus escandalosas obras un persistente afán de protesta, en contra principalmente, de la violencia y de la falsa moral que la disimula. Pero, sin embargo, es posible ir más allá de esto, e interpretar su tentativa como una profunda inquisición sobre la belleza de una cierta vitalidad que trasciende la muerte. La labor creativa de Teresa Margolles, en este sentido, estaría emparentada con la del poeta mexicano José Gorostiza, autor de uno de los poemas más importantes del siglo XX (reconocido esto último por personalidades de la talla de Ocatvio paz o de Carlos Fuentes), nos referimos a la larga composición filosófica “Muerte sin fin”, que por ejemplo, en ciertos fragmentos, versa de la siguiente manera

“Mas nada ocurre, no, sólo este sueño
desorbitado
que se mira a sí mismo en plena marcha;
presume, pues, su término inminente …
…largas cintas de cintas de sorpresas
que en un constante perecer enérgico,
en un morir absorto,
arrasan sin cesar su bella fábrica
hasta que —hijo de su misma muerte,
gestado en la aridez de sus escombros—
siente que su fatiga se fatiga,
se erige a descansar de su descanso
y sueña que su sueño se repite,
irresponsable, eterno,
muerte sin fin de una obstinada muerte,
sueño de garza anochecido a plomo
que cambia sí de pie, mas no de sueño,
que cambia sí la imagen,
mas no la doncellez de su osadía…”

En la muerte sin fin de Gorostiza, como la de Margolles, como la del suizo H.R.Giger, o como la del mejor cineasta del splatterpunk cinematográfico underground, Jorg Buttgereit, la muerte misma, al ser des-cubierta en vida, es decir, trasgredida, violentada, rasgada, nos deja ver una dialéctica de vida: nada se pierde en el proceso, todo deviene en el fragmento, cada ser al morir, en el fondo solo cambia, se transforma: la vida no es más que un perecer constante y amnésico, que algunos buscan hacer recordar, para no olvidarlo más, ni aún en el último instante posible, para dejar de ser – quizá- el último posible.

El primero fue un músico francés que dedicó su vida al estudio de la mísica y la cultura oriental, especialmente la india. La fundación que lleva su nombre donó a Casa Asia una cantidad considerable de casettes en las que Daniélou registró diversas músicas orientales entre los años 50 y 70. Casa Asia se comprometió a conservarlas y a divulgarlas e inició un proceso de conservación de las cintas originales y de digitalización del contenido musical. Como resultado, las más de 400 horas de música india que se expone en formato mp3 para disfrute de los asistentes es sin duda uno de los platos fuertes de esta exposición.

El repaso a la vida y obra de Daniélou se complementa con la exhibición de un CD-Rom interactivo donde descubrimos la faceta humanista del francés, con sus obras sobre arte, dibujos, fotografías y música.

Antes de llegar a Tagore, se exhibe en DVD la película india Lagaan, de 4 horas de duración. Un intento de representar la sociedad india bajo el dominio inglés y mostrar los problemas internos del país para comprender su estado actual, siempre con el peculiar estilo narrativo de las películas indias “made in Bolywood”.

A partir de ahí los fans del escritor Tagore-famoso en España por las frases que algunos dejaban ver en sus carpetas durante la educación secundaria-tienen varias horas de proyecciones audiovisuales por delante: Música de Tagore, un documental inédito y cuatro películas basadas en obras del premio Nóbel. En general una exposición digna de verse, pero necesitarán varios días para verla entera ya que asolutamente todo el material es audiovisual.