Blog Cultural

Premio de Fotografía del año

Dentro de poco más de dos meses, y después de pasar por ciudades como Tokyo, Moscow, Madrid o  Berlin, el más célebre concurso de fotoperiodismo del mundo llegará al Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona para mostrarnos las obras premiadas en su última edición. Con tan sólo un vistazo a la última edición de los premios World Press Photo, uno se da cuenta que hay veces que las palabras sobran.

Pero nunca llueve a gusto de todos. En esta ocasión, la polémica surgió al anunciar la imagen ganadora del premio Foto del Año, “Roofs of Teheran” del italiano Pietro Masturzo, que retrata a unas mujeres gritando consignas contra el régimen de Ahmadinejad, ya de noche,  desde la azotea de un edificio de Teheran días después de las elecciones presidenciales de Irán, y que se enmarca en la oleada de protestas que se produjeron en la capital tras las reñidas elecciones.

Las críticas se centraron sobretodo en el evidente retoque fotográfico que se aplicó a dicha fotografía, en la que destaca el viñeteado aplicado a la toma, algo en teoría poco  propio del fotoperiodismo.

El jurado, no obstante, remarcó la emotividad de la imagen de Masturzo, que sugiere de forma menos explícita el comienzo de algo desde una perspectiva distinta a la habitual. Y personalmente, comparto la decisión.

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Hace cosa de tres meses, la casualidad me llevó a visitar el Palau de la Virreina, centro de arte contemporáneo situado en pleno centro de Barcelona.  En esa ocasión, coincidí con una exposición dedicada a José Pérez Ocaña, el que fue Reina de las Ramblas.

Siempre he aborrecido a los cultumitos, esos que, por A o por B, han sido empujados a lo más alto en reconocimiento a una carrera supuestamente infravalorada y a una muerte excesivamente gore. El caso es que hay veces que, aún cumpliendo  con todos los requisitos, acaban  quedándose en la sombra. Y para mi, y salvando las distancias, ese es el caso de Ocaña.

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Silencio: “de todas las palabras, la más poética y más perversa: ella misma es la prueba de su muerte” (George Bataille).

Hace poco más de una semana se inaguró en la Fundació Joan Miró de Barcelona, dentro del ciclo “Silenci explícit”, la exposición “Arquitectures de silenci”, obra del artista checo Tom Kotik.

Ahí está. Una sala pintada completamente de blanco. Cuatro elementos/obrasdearte: Impulso racional, formado por dos cajas insonorizadas que esconden música rock; Untitled (for Jan), un atril con altavoces que vibran compulsivamente al ritmo de un sonido desconocido para el público; Felt drawings, o tres piezas de fieltro talladas con la forma de amplificadores de guitarra eléctrica o bajo, y Soundstudies, elementos construidos con material aislante profesional. Y de fondo, la risa escondida de un grupo de jóvenes que se mediomueve al ritmo de la música del primero. Qué conmovedor.

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Paseando por tierras romanas, después de haber visitado ya los Greatest hits de la Guía Michelin, tropecé  hace unos meses con lo que, en un primer momento, pareció una exposición de Beatrix Potter. Craso error.

Se trataba de una exposición inagural de Cristina Gardumi, italiana de 29 años, licenciada en Arte dramático, en la que se presentaban las actividades de Imargini, una asociación de artistas que pretende tratar conjuntamente disciplinas como el teatro, la pintura, la fotografía, literatura, la música, alejándose de su tradicional separación para experimentar con ellas de una forma mucho más real, más completa y creativa.

Las obras expuestas escenificaban una combinación de inocencia y perversión realmente sorprendente. En las paredes, dibujos sencillos a la par que sugerentes basados en retratos de animales. Y presidiendo la sala, una alfombra hecha de consoladores. Pero lejos de parecer una típica/tópica intromisión en el mundo de lo erótico-morboso, la obra unía sexualidad y sensualidad de una forma mucho más sugestiva, desde una perspectiva más insinuante. Una, permítanme decirlo, delicia.

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El Llamado de La Otredad Un trabajo conjunto por parte de Blanca Gonzalez Jimenez, María Ignacia Ortiz, y Jesús Ademir Morales Rojas. Guión Museológico para una muestra sobre la obra de los fotógrafos Nacho Lopez, Graciela Iturbide, y Juan Rulfo. Un ejercicio académico para la Academia Mexicana de Ciencias Antropológicas y el Instituto Nacional de Antropología e Historia. México, Agosto, 2009

 “Habitable” es una exposición, formada por  una serie de obras de diferentes características, que conforman  un mundo creado para soñar y  despertar la imaginación; un mundo surrealista,  habitado por figuras humanas de escala reducida donde cualquier idea es válida.

“Habitable” es también una pregunta que el propio Rafael Picó, hace a  los espectadores. Preguntándoles si es habitable su vida, sus hogares o incluso si ellos mismos son habitables. 

De carácter multidisciplinar, la exposición se compone de escultura, pintura y video; además, para contestar a la pregunta de habitabilidad, el visitante tiene a su disposición unas hojas, donde puede explicar su visión del concepto.  

En cuanto a la técnica, los cuadros están hechos con esmalte sobre tabla y para su realización no usa el pincel, sino la técnica del dripping, pero a diferencia de J. Pollock, esta es controlada por medio de unos dosificadores, realizando formas y dibujos. En cuanto a las esculturas, se trata de tablones de madera donde construye siluetas y edificios de cerámica, que también aparecen en los cuadros sólo que aquí en tres dimensiones. Hay tres posturas básicas de los personajes caminando, arrastrándose y sentados pensando, lo que hace referencia a los sueños, los caminos y a los pensamientos sobre lo que es habitable y la búsqueda del lugar de cada uno.  Respecto al video, es una proyección del montaje de la propia exposición, donde se puede apreciar la técnica anteriormente citada.

Esta muestra se puede ver hasta el próximo 11 de marzo en LA LISA arte contemporáneo en Albacete, situada en la C/Marqués de Villores, 70.

Recientemente se ha presentado en la Casa de América en Madrid, una exposición de arte latinoamericano encabezada por la mexicana Teresa Margolles (1963), una de las figuras más controvertidas de la cultura contemporánea. Margolles es célebre por la profundidad trasgresora con la que aborda temas escabrosos y delicados para el habitual “buen” gusto del público: utilizando frecuentemente para ello cadáveres en descomposición, o materiales derivados directamente de ellos. En México es muy recordada una exposición celebrada en el Museo de Arte Carrillo Gil en los noventas, donde Margolles y su grupo de creativos expusieron entre otras asombrosas piezas un tiovivo elaborado con cadáveres momificados de poneys, o también, una cabeza de caballo blanco diseccionada y expuesta en un cristal transparente: bella y nívea por un lado, y por el otro con toda interioridad sanguinolenta e incluso con evidencias de descomposición. También causó mucho impacto una obra de Margolles en la que se exhibía un feto encapsulado en concreto, u otra, realmente extrema en la que la artista sinaloense esparcía en el aire los vapores resultantes de restos humanos calcinados. En la exposición que se presenta en la Casa de América, “Regreso. Arte latinoamericano y memoria”, Margolles, presenta, en una reunión admirable de varios polémicos artistas, una obra que destaca entre algunas otras, titulada “Proyecto de parque infantil”, en el que un feto de caballo se encuentra empotrado en un balancín de hierro.

Margolles pondera en las explicaciones a sus escandalosas obras un persistente afán de protesta, en contra principalmente, de la violencia y de la falsa moral que la disimula. Pero, sin embargo, es posible ir más allá de esto, e interpretar su tentativa como una profunda inquisición sobre la belleza de una cierta vitalidad que trasciende la muerte. La labor creativa de Teresa Margolles, en este sentido, estaría emparentada con la del poeta mexicano José Gorostiza, autor de uno de los poemas más importantes del siglo XX (reconocido esto último por personalidades de la talla de Ocatvio paz o de Carlos Fuentes), nos referimos a la larga composición filosófica “Muerte sin fin”, que por ejemplo, en ciertos fragmentos, versa de la siguiente manera

“Mas nada ocurre, no, sólo este sueño
desorbitado
que se mira a sí mismo en plena marcha;
presume, pues, su término inminente …
…largas cintas de cintas de sorpresas
que en un constante perecer enérgico,
en un morir absorto,
arrasan sin cesar su bella fábrica
hasta que —hijo de su misma muerte,
gestado en la aridez de sus escombros—
siente que su fatiga se fatiga,
se erige a descansar de su descanso
y sueña que su sueño se repite,
irresponsable, eterno,
muerte sin fin de una obstinada muerte,
sueño de garza anochecido a plomo
que cambia sí de pie, mas no de sueño,
que cambia sí la imagen,
mas no la doncellez de su osadía…”

En la muerte sin fin de Gorostiza, como la de Margolles, como la del suizo H.R.Giger, o como la del mejor cineasta del splatterpunk cinematográfico underground, Jorg Buttgereit, la muerte misma, al ser des-cubierta en vida, es decir, trasgredida, violentada, rasgada, nos deja ver una dialéctica de vida: nada se pierde en el proceso, todo deviene en el fragmento, cada ser al morir, en el fondo solo cambia, se transforma: la vida no es más que un perecer constante y amnésico, que algunos buscan hacer recordar, para no olvidarlo más, ni aún en el último instante posible, para dejar de ser – quizá- el último posible.

El extenso título de esta exposición parece un intento de que los visitantes lo relacionen con los diálogos Oriente-Occidente del Fórum. En realidad es la segunda parte del título la más relevante, ya que la muestra está basada casi exclusivamente en las figuras de Alain Daniélou y Tagore. La pude “visitar” gratis en la Casa Asia de Barcelona, entre otras cosas porque trabajaba allí…

El primero fue un músico francés que dedicó su vida al estudio de la mísica y la cultura oriental, especialmente la india. La fundación que lleva su nombre donó a Casa Asia una cantidad considerable de casettes en las que Daniélou registró diversas músicas orientales entre los años 50 y 70. Casa Asia se comprometió a conservarlas y a divulgarlas e inició un proceso de conservación de las cintas originales y de digitalización del contenido musical. Como resultado, las más de 400 horas de música india que se expone en formato mp3 para disfrute de los asistentes es sin duda uno de los platos fuertes de esta exposición.

El repaso a la vida y obra de Daniélou se complementa con la exhibición de un CD-Rom interactivo donde descubrimos la faceta humanista del francés, con sus obras sobre arte, dibujos, fotografías y música. Read the rest of this entry »