Blog Cultural

Cuando ya algunos empezábamos a echar de menos la lírica surrealista de Miguel Rivera, Maga vuelve al rescate con nuevo disco titulado “A la Hora del Sol”, que será lanzado a principios de Marzo.

Han sido dos años de sequía compositora, pero finalmente los andaluces nos podrán presentar nuevo trabajo. Y para ello estrenan sello: Mushroom Pillow (The Sunday Drivers, Sr. Chinarro, La Habitación Roja, Deluxe…) y dejando atrás una larga y fructuosa etapa editando sus proyectos al lado de la discográfica Limbo Starr.

Para quienes aún no tengan el placer de haber disfrutado de la imaginería de Maga, deben saber que estos jóvenes (ya no tan jóvenes) llevan a la espalda 3 LPs des de el año 2002. Su EP de debut (”Bidimensional“)  y así mismo su primer LP (”Maga” o más conocido como “el Blanco“) fueron escogidos como “de lo mejor” de sus respectivos años por las webs Muzikalia.com y Supernovapop.com (webs que lideran la información musical independiente en España). Sus dos trabajos siguientes siguieron esta linea (más experimental en el “disco Negro“, más directo en el “disco Rojo“), recibiendo alabanzas por diestra y siniestra.

Su líder, guitarra, voz y compositor Manuel Rivera se ha fraguado un lugar en el mundo musical independiente realizando colaboraciones al lado de diferentes músicos y componiendo las B.S.O de las películas de Santi Amodeo. Pero donde podemos ver su auténtica firma es con Maga. La procedencia de su nombre (la enigmática protagonista de “Rayuela“, la eterna novela de Julio Cortazar) ya nos da muchas pistas sobre las bases del grupo: la expresión minimalista, los símbolos y su entrañable incoherencia envuelven a todas sus letras y acordes. Embarcarse en su mundo es perder el rumbo con ellos.

Y de nuevo vuelven a las andadas. En su myspace (www.myspace.com/maga.maga) nos dan dos canciones como preludio. Y si, es Maga y se nota por todos sus rincones. Esperemos que el disco no defraude a sus “celestes” (así se hacen llamar sus seguidores) y podamos verlos de nuevo rondando los escenarios del país, llenando salas y haciendo saltar, como vi más de una vez, las lágrimas de su público.

Lo admito: sí, yo veía Las Chicas Gilmore. Y sí, lo admito también, me gustaba. Por suerte, creo que no soy la única. Tal y como describía uno de los usuarios de filmaffinity, se trata de una serie que aparentemente se ajusta perfectamente a las típicas americanadas de sobremesa: familia guai que vive en un pueblo guai, con vecinos guais, donde todos son felices y comen perdices.

Pero después de un par de capítulos, te das cuenta que sus protagonistas escuchan a Björk, The Shin y a Carole King, han leído ciento veinte veces el Guardián entre el centeno y adoran el cine de los años 20 y 30. Que la serie tiene unos personajes secundarios extraordinarios, y que saben sacarle jugo hasta a la cola de la caja del supermercado. Y que así lo hacen también con su banda sonora.

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Standstill ha conseguido llegar a lo más alto del “indie” español siguiendo un camino más extraño del habitual.

Componiendo en inglés e iniciando sus primeros pasos desde el hardcore-punk, un género en el que pocos grupos españoles han podido destacar, ellos lo hicieron y se ganaron un sitio en Europa, realizando giras continentales y editando incluso fuera del panorama español.

Pero su reconocimiento como artistas a un nivel superior del musical llegó con el paso a la lengua de Castilla y la autoedición de su disco “Viva La Guerra” al abandonar el sello Bcore y creando uno  propio: Buena Suerte, en el que la total libertad y un sonido mucho más “suave” sería el camino a seguir.

Sus directos no tienen parangón en la escena musical española: el espectáculo “1,2,3 Sol” se creó una fama merecedora de la verdad, dónde los componentes del grupo se repartían en una sala (o en un bosque), con el público colocado justo en medio, creando un ambiente nunca visto en un concierto.
No cabe duda de la originalidad de sus composiciones tanto escénicas como musicales. Pero nunca han estado solos. Siempre han llamado a su público para participar de ellas: en realización de portadas, videoclips… Y ahora con una convocatoria que se sale aún más de lo habitual.
Con “Yo sólo necesito Cariño Respeto y Atención” nos invitan a apuntar 3 números de teléfono que se corresponden con cada una de estas palabras. En el momento en que te encontraras falto de uno de ellos, debes llamar al número correspondiente y dejar un mensaje diciendo donde estas en ese momento y el día y hora que es. Así, podrán crear un “mapa íntimo de creación colectiva” en su página web.  ¿Genios o locos? La eterna pregunta.

Es  mucha la expectativa creada en cada uno de sus nuevos anuncios. Y ningún seguidor de Standstill podrá perderse el nuevo espectáculo en directo que presentaran en el próximo “Primavera Sound”. Eso si, a un alto precio (95 euros). Pero si siguen con este listón de nuevas y más originales creaciones escénicas y participativas se debe estar atento y al corriente de todos sus movimientos.

Esperemos que sean muchos y muy duraderos.
Aquí os dejo el trailer del documental “1,2,3 Standstill” sobre su espectáculo “1.2.3. Sol”

Como la mayoría de la gente, yo también fui al cine a ver “Los chicos del coro” de Christophe Barratier. Y también como a la mayoría, me gustó. Sí, porque era una película de esas que sabes que te va a gustar: a todos nos encanta ver como niños malos se convierten en niños buenos, y que los malvados que hacían que los niños buenos fueran malos (porque sí, siempre todos en realidad tienen un corazoncito de oro) acaben en la cárcel o, en su defecto, enterrados.

Pero hay veces que la realidad supera la ficción. Es el caso del los protagonistas de este post: el coro PS22, formado por niños de entre 10 y 12 años y que toma el nombre del colegio al que pertenecen, el Public School 22, de Granteville (Staten Island), en Nueva York.

No se trata de un coro convencional: su artífice e impulsor, Gregg Breinberg, profesor de música de la escuela,  apostó por un repertorio repleto clásicos que se mueven entre The Doors, Massive Attack, Tori Amos, Coldplay hasta Lily Allen o Lady Ga-Ga. Y dio en el clavo: el grupo ya ha traspasado fronteras, consiguiendo que más de 14 millones de personas ya les hayan escuchado a través de Youtube.

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Recordemos brevemente la historia:

(inicio flashback) En el pueblo de Des, perteneciente al reino de Sinde-SGAE, no habían oído nunca música. Un día, no obstante, la pequeña Cultu les trajo algo que les cambiaría radicalmente la vida: un reproductor de discos.

Pero las cosas no iban a ser fáciles: la reina de Sinde acabaría descubriendo que estaban escuchando música sin su permiso y tomaría medidas drásticas (fin flashback).

“¿Cómo se atreven a escuchar música sin mi permiso?” pensaba la reina.  ”¿De dónde han sacado todos esos discos? ¿Quién es el traidor?”

La reina no lo dudó ni un segundo y utilizó a todos sus súbditos, los soldados SGAE, para descubrir de dónde provenía tal desfachatez. Fácilmente encontraron a Net, pues por todos era sabido que se trataba del mayor coleccionista de música del reino.

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Érase una vez, en un diminuto pueblo conocido como Des, situado a las afueras del reino de Sinde-SGAE, vivía una pequeña niña llamada Cultu.

Todo el mundo se reía porque pensaban que Cultu era un nombre tonto. “Qué nombre más feo, no?” se burlaban de ella. “No es feo. Es un nombre de listos”, afirmaba orgullosa, y salía corriendo, esperando ansiosa que pasaran los años para poder demostrárselo.

Cultu vivía con sus padres en una casita en el centro del pueblo. Su padre era leñador y su madre, la ayudante de la profesora del colegio.

Ah, había olvidado decíroslo: en Des no existía la música. Se podía hablar y estar en silencio, pero eran incapaces de reconocer cualquier otro tipo de sonido.

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Es en días como estos cuando recuerdo cómo me encanta vivir en Barcelona y que el tiempo – ese gran desconocido que nos obliga a quedarnos en casa y a darnos cuenta de que, oh sí, en esa esquina del techo queda patente que aquella fue la primera y probablemente única ve que sostuvimos una brocha con pintura en nuestra mano- me permita salir a la calle y sonreir sin que se me congelen las comisuras de los labios. Sí, porque gracias a eso pude disfrutar del personaje que ocupa este post: Aaron Lordson.

Llámenme inculta,  pero no supe nada de él hasta hace un par de meses. Quizás como muchos otros. O no. En realidad, la mayor parte de su carrera se ha desarrollado en la calle. Y resulta difícil de creer cuando se le escucha cantar: es entonces cuando uno se siente estúpido por no saber quién es o no habérselo encontrado antes.

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One Tree Hill del grupo de rock U2, es un tema que forma parte del famoso álbum The Joshua Tree (1987), y fue escrito para rendir homenaje a un amigo personal de Bono, quien perdió la vida por un accidente en Irlanda, pero también para honrar al cantautor de protesta chileno Victor Jara, quien falleciera en 1973. Otra fuente de inspiración para One Tree Hill es una impresionante y poética elevación volcánica localizada en Auckland, Nueva Zelanda. En las líneas que siguen comentaremos algunos de los más bellos pasajes de este éxito de U2.

COLINA DE UN SOLO ÁRBOL

“Jara cantó, su canción un arma, en las manos del amor.
Tú sabes que su sangre aún llora desde la tierra.”

Cada voz que se alza en contra del silencio es heroica de por sí. Porque obsequia para los demás una realidad precisa, aun cuando implique su no participación en alguna. Pero los poetas no hablan por única ocasión: su mensaje renace cada vez en el mundo, cuando se le canta siempre.

“No creo en rosas pintadas o en corazones sangrantes
Mientras las balas violan la noche de gracia.”

Bono tiene razón al destacar el contrasentido de una realidad capaz de gestar las obras de arte más admirables, junto con los horrores bélicos más atroces. No son compatibles, no hay posible conciliación: el arco destruye a la lira siempre, si Heráclito no es capaz de escuchar el postrero latir de un corazón asaeteado.

“Te veré otra vez cuando las estrellas caigan del cielo
Y la luna se haya vuelto roja sobre la colina de un solo árbol.”

U2 nos demanda un singular Apocalipsis, en donde los vivos y los muertos no miren registrado su sino en un Libro Sagrado. Por el contrario la Colina de un solo Arbol debería ser la voz unida de los vivos, quienes inspirados por la memoria de los desaparecidos, traten de ascender para limpiar la Luna mancillada de grana, purificándola en justicia.

“Y cuando esta lloviendo, lloviendo mucho
Es como cuando la lluvia romperá un corazón”

Muchas veces llueve por dentro, y solo escampa el corazón, pero nunca los recuerdos.

“Oh gran océano
Oh gran mar
Corre hacia el océano
Corre hacia el mar”

Es posible que los océanos de todo mundo no sean más que las lágrimas acumuladas del anterior, pensando en su porvenir.

(Traducción tomada del sitio http://u2fanlife.com/u2-albums/u2-the-joshua-tree/one-tree-hill-lyrics-letra)

Toda la información sobre la gira de U2 en España, y más, la encontrarás en tu web:

http://www.conciertosendirecto.es/

La canción One Tree Hill del grupo U2, incluida en su legendario álbum The Joshua Tree (1987), nos brinda una muestra de toda la capacidad de arte y poesía reflexiva que esta mítica asociación irlandesa nos brinda en cada nuevo disco. En lo que sigue comentaremos algunos de sus pasajes más significativos.

COLINA DE UN SOLO ÁRBOL

“Nos damos la vuelta para enfrentarnos al frío, la duradera frialdad
Cuando el día pide compasión a la noche, amor.”

Es posible contemplar al día como una petición de amor a la noche: qué mejor ofrenda que la propia esencia entregada en una hoguera de radiante fulgor. En un cálido abrazo el alba y el ocaso por fin se reúnen para gestar el mundo.

“Un sol tan brillante que no deja sombras
Sólo cicatrices esculpidas en la roca en la superficie de la tierra.”

El sol traza una escritura invisible en todas las cosas: es el tiempo, que no se mira, pero se siente; los segundos como cicatrices que nos deja nuestro propio desarraigo, la senda tortuosa de nuestra partida hacia la difuminación absoluta.

“La luna está alta sobre la colina de un solo árbol.
Vemos el sol ponerse en tus ojos.”

Bono escribió este tema para honrar a un amigo irlandés fallecido, Greg Carrol. Acaso el líder de U2 haya acertado más de lo que pudiera pensar con respecto a la imagen elegida: Colina de un solo árbol…cual si fuese un monumento funerario. Y sin embargo es factible que a lo largo de la vida todos los amigos no sean sino uno solo, en el que nuestro destino buscó encarnarse. Pero entonces el árbol también es de una sola colina, y como la vida en su esencia, esa sí es eterna.

“Tú corres como un río hacia el mar
Tú corres como un río corre hacia el mar.”

La marcha de las corrientes hacia su desembocadura definitiva: la memoria de un lugar que nunca dejó de estar allí, evocada en la trasparencia de las aguas, el ímpetu de religarse con lo que nunca dejo de ser anhelo, al principio y al final, siempre. ¿Recuerdas?

“Y en el mundo un corazón de oscuridad, una zona de fuego
Donde los poetas hablan al corazón, luego sangran por él.”

El centro secreto del mundo está en todas partes, puesto que sus límites no tienen lugar. Es como el fuego de Heráclito, pura virtualidad ardorosa, entusiasmada con su propia pluralidad. Pero la poesía es la senda perimetral de ese Todo, que aunque define y limita, comprende: sangra y vive.

(traducción tomada del sitio http://u2fanlife.com/u2-albums/u2-the-joshua-tree/one-tree-hill-lyrics-letra)

Sigue toda la cobertura de la gira de U2 en España, en la página: http://www.conciertosendirecto.es/

La cantante islandesa Björk, una de las artistas más libres e independientes desde hace más de dos décadas, manifiesta en el fondo de su propuesta musical un eclecticismo suicida que la transforma en una creativa impredecible y nunca conforme.
Björk impacta siempre, no porque nos ofrezca algo nuevo por sí mismo, porque ciertamente no lo hay: la posmodernidad ha desfundamentado todo afán de revolucionar nada; ni siquiera en el ámbito de la expresión musical pop. El éxito de Björk estriba en la manera tan personal de ordenar numerosos elementos culturales, los más diversos y plurales, para trasladarlos a lo melódico, de acuerdo a una sensibilidad artística de libertad jubilosa, que la lleva a explorar el mundo a través de su interiorización ilimitada.De Debut hasta Volta, la estética de Björk se nos ofrece como una reflexión holística vertida en arte.

Cabe recordar que el principio holístico sostiene que las cualidades perceptibles en una totalidad dada son diferentes a las que pueden captarse en cada una de sus partes. Björk, en álbumes tan profundos y experimentales como Homogenic, Vespertine, o Medúlla, pareciera hacernos comprender que la realidad, en su inmensidad subyugante, es totalmente imposible de ser abordada limitándose a tomar y vivir uno de sus elementos integrantes por separado: lo que nos manifiesta Björk en muchos de sus videos, repletos de enigmáticas metamorfosis, y de dinámicas transformaciones inquietantes, es que un organismo rebasa cualitativamente cualquier manera de mensurarle, por medio de la simple adición de sus partes.

Esta genial islandesa comparte la genialidad de los poetas, el visionario talante de los enfermos mentales, y la sabiduría de los niños. Es una hermana espiritual de Jean Dubuffet o de Karel Appel; de Leonora Carrington,  Remedios Varo, Luis Buñuel o Alejandro Jodorowsky.

Algunas de sus composiciones más memorables, como las que elaboró en Selmasongs, para la cinta de Lars Von Trier, Dancer in the Dark (2000) se transforman en himnos al derecho a pensar el mundo desde lo absolutamente otro. Por medio de posindustriales infiernos futuristas, o a partir de oníricos sonidos de paraísos interiores, hechos de cristal y brisa; desde la búsqueda inagotable de nuevas maneras de aproximarse a la esencia de la realidad, desde la música; o la pureza de su gestación natural- como en el álbum Medúlla, que está musicalizado enteramente voces humanas; Björk se nos aparece como una peregrina chamanezca, proveniente de recónditas lejanías boreales, que nos trae mensajes de cómo se mira el mundo desde fuera, cuando estamos todos tan dentro, soñando aún.