(Incluso Cameron Crowe se atrevió a describir el periodismo musical de la mano de Rolling Stone en la ya clásica “Almost Famous”.)

“The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars”, el mítico disco de David Bowie, me recuerda, tal y como explicaban mis apuntes de matemáticas, a una parábola: Ziggy llega y se crece  hasta alcanzar el clímax, acabando finalmente cayendo de forma vertiginosa. En realidad, para eso sirven las matemáticas, para explicar cosas.

Unos cursos más he de avanzar para intentar describir la evolución de la revista Rolling Stone.

Me topé con su versión española por vez primera a mis 13 años. Y debió ser una mezcla de curiosidad y de vergüenza, porque de buena gana me habría llevado también una de esas revistas para adolescentes salidos.

No sólo me gusto: me encantó. Evidentemente se trataba de una revista para todos los públicos, música de multitudes que no pretenden ampliar la baraja, sino simplemente conocer algo más de lo que ya tienen. En definitiva, una apuesta por lo seguro, sin más pretensiones que las referidas a la calidad y hasta cierto punto originalidad de sus artículos. Y funcionaba: reportajes completos, relativa variedad temática, mucha música, algo de política y de vez en cuando algún que otro guapito guai para amenizar la velada.

Pero, como en una función matemática, la revista Rolling llegó a su punto álgido: de repente, el tamaño de los reportajes empezó a reducirse al tiempo que los guapitos guais y no tan guais iban ganando portadas. Y comenzaron a salir “one hit wonders” de debajo de la cama para ir destronando paulatinamente a los ya residentes entre sus páginas: Paulina Rubio apareció en portada como dios la trajo al mundo, y a Angelina Jolie sólo le faltaron unas fresitas para ser digna de la revista Playboy. Incluso Eto’o posó como sacado de un anuncio de esteroides para futuros musculitos. Finalmente, llegó el éxtasis que todos esperábamos: UPA dance aparecerían en abril de 2003 en una portada que habrían vetado hasta en SuperPop.

Evidentemente, la discutida calidad de la revista no se vio afectada sólo a primera vista: futbolistas, políticos y showmen ocupaban ahora gran parte del contenido, aparcando en definitiva la esencialidad de la Rolling, en la que música, sociedad, moda, política deberían haber tenido cabida, pero desde un punto de vista más racional, lógico y coherente.

Sin ir más lejos, en agosto de 2009, alejados ya del abismo por el que se había desplomado la revista, se dedicaron más de 20 páginas a lo que se llamó “HOT09”, curioso apartado en el que se mezclaban la archiconocida actriz porno  Sasha Grey, el reportaje titulado Rocklover, literalmente “trucos para ser un auténtico follador”  o “Esto es una orgía”, un morbo-reportaje sobre estrellas del rock digno de cualquier programa de Jaime Cantizano.

Un mes antes, en julio de 2009, en el reportaje en portada , “El Rock del Congreso”,  grandes expertos de la música como Nacho Uriarte, Rosa Díez o  Fernández de la Vega confesaban, entre otras cosas, que Nena Daconte había sido su gran descubrimiento del año . Y, oh sí, como les sobraron dos páginas, decidieron invertirlas en publicar un listado con los gustos musicales de todos los congresistas españoles. Orgásmico, sí señor.

Mientras tanto, y hasta que vuelvan a escribir algo menos propio de estudiantes de secundaria, podremos disfrutar de sus grandes listas de “las mejores canciones de…”, “los mejores discos de…”,  “las mejores canciones por…” o “los mejores discos por…”. Todo un lujo.

Hace cosa de tres meses, la casualidad me llevó a visitar el Palau de la Virreina, centro de arte contemporáneo situado en pleno centro de Barcelona.  En esa ocasión, coincidí con una exposición dedicada a José Pérez Ocaña, el que fue Reina de las Ramblas.

Siempre he aborrecido a los cultumitos, esos que, por A o por B, han sido empujados a lo más alto en reconocimiento a una carrera supuestamente infravalorada y a una muerte excesivamente gore. El caso es que hay veces que, aún cumpliendo  con todos los requisitos, acaban  quedándose en la sombra. Y para mi, y salvando las distancias, ese es el caso de Ocaña.

A su manera, Ocaña quiso enseñar a Barcelona su particular forma de ver y de vivir el mundo. Y coincidió con una época de clara discordia, puesto llegó a la Barcelona de 1973 para dar cara y voz al colectivo gay, a la libertad de expresión y a la necesidad de la sociedad de la época de destaparse los ojos ante el mundo.

Travestido y paseándose por las Ramblas o pintando, en cualquier caso Ocaña destacaba por su forma de vivir, de expresarse ante un país todavía anclado en el pasado. Fue polémico y provocador, pero sin más intención que llamar la atención, que luchar por lo que creía haciendo lo que le gustaba y dándole un codazo a la sociedad para despertarla.

Querido y admirado por muchos, aunque quizás algo olvidado, Ocaña llegó a Barcelona para dejar huella. Y es que, tal y como mi abuela me dijo una vez, “no hacía daño a nadie, él pintaba y se disfrazaba de mujer”. Simplemente.

.

Silencio: “de todas las palabras, la más poética y más perversa: ella misma es la prueba de su muerte” (George Bataille).

Hace poco más de una semana se inaguró en la Fundació Joan Miró de Barcelona, dentro del ciclo “Silenci explícit”, la exposición “Arquitectures de silenci”, obra del artista checo Tom Kotik.

Ahí está. Una sala pintada completamente de blanco. Cuatro elementos/obrasdearte: Impulso racional, formado por dos cajas insonorizadas que esconden música rock; Untitled (for Jan), un atril con altavoces que vibran compulsivamente al ritmo de un sonido desconocido para el público; Felt drawings, o tres piezas de fieltro talladas con la forma de amplificadores de guitarra eléctrica o bajo, y Soundstudies, elementos construidos con material aislante profesional. Y de fondo, la risa escondida de un grupo de jóvenes que se mediomueve al ritmo de la música del primero. Qué conmovedor.

Siempre he admirado a aquellos que tienen ideas que yo nunca habría tenido, que saben hacer cosas que a mí ni se me habrían pasado por la cabeza, de la misma manera que he odiado a los culturetas gafapasta que optan por tragarse películas iraníes en las que otro de su misma tribu se pasa dos horas seguidas mirando a la cámara sin abrir la boca porque eso mola y es guai ya que es sólo para listos.

Desgraciadamente, en Arquitectures de silenci Kotik sólo aparenta ser de los segundos, aprovecha la superficialidad del silencio y la explota sin conseguir llegar más que a su visión más simple: el contraste con el ruido.

Sí, es cierto que la palabra arquitectura delimita quizás la magnitud de la exposición, pero también es verdad que, detrás de esa primera capa, el silencio da forma a todo un mundo mucho más amplio, complejo, atractivo y cruel que el que se nos muestra. El autor ha querido jugar con el vacío, el no-color, el volumen, las formas, incluso el movimiento, la insinuación, el dominio del sonido, dándole un toque de crítica socio-política, contrastando la presencia física del silencio desde un punto de vista material con su ausencia en significado, pero le ha faltado implicar también a muchos más campos, más formas de expresión, transmitir verdaderamente el silencio a través de su, sí, arquitectura.

Una lástima, puesto que alguna de las ideas era verdaderamente brillante. Otra vez será.

Ayer en la Gala de los Goya, la Academia de Cine volvió a reconocer el indiscutible trabajo de Mercero. En su nombre acudieron algunos de sus hijos puesto que él sufre la enfermedad de la que curiosamente hablaba su última película, ¿Y tú quién eres?, hace apenas un par de años: Alzehimer.

Qué decir de ese momento de la ceremonia. Impresionante discurso de Antonio e Ignacio Mercero. Impresionante Alex de la Iglesia entregándole el Goya al maestro e impresionantes también las lágrimas del GRAN Wyoming . Sí, porque tal y  dijo este último en el Intermedio en referencia a una inaceptable/inapropiada noticia que apareció en el diario El País, Mercero está enfermo, no muerto.

Nacido hace casi 74 años en tierras guipuzcoanas, Mercero apareció en el panorama cinematográfico hace ya más de cincuenta acompañado del corto “Lección de arte”, que le proporcionó la Concha de Oro y la Perla del Cantábrico en el festival de San Sebastián de 1962. Y siguió cosechando éxitos, basados muchos de ellos en historias de niños, como “La guerra de papá”, sobre el ya clásico “El príncipe destronado”, de Miguel Delibes, o la elogiada “Planta cuarta”, protagonizada por el archipremiado Juan José Ballesta. Pero más allá de la ternura infantil, Antonio Mercero ha sabido dibujar el mundo adulto con films como “La cabina” o acercarse a la incertidumbre de la Guerra Civil con “La hora de los valientes”, entre otros.

Aunque es cierto, sus mayores éxitos han venido dados, al contrario de lo que él quería, gracias a la televisión. Series como “Farmacia de Guardia”, “Verano azul” o “Turno de oficio” han traspasado pantallas y escrito sonrisas en muchos de nosotros. Y lo seguirán haciendo porque Antonio Mercero ha sabido, a pesar de todo, sacar historias bonitas de historias tristes y explicárnoslas como quien cuenta un cuento de buenas noches.

Han sido dos años de sequía compositora, pero finalmente los andaluces nos podrán presentar nuevo trabajo. Y para ello estrenan sello: Mushroom Pillow (The Sunday Drivers, Sr. Chinarro, La Habitación Roja, Deluxe…) y dejando atrás una larga y fructuosa etapa editando sus proyectos al lado de la discográfica Limbo Starr.

Para quienes aún no tengan el placer de haber disfrutado de la imaginería de Maga, deben saber que estos jóvenes (ya no tan jóvenes) llevan a la espalda 3 LPs des de el año 2002. Su EP de debut (“Bidimensional“)  y así mismo su primer LP (“Maga” o más conocido como “el Blanco“) fueron escogidos como “de lo mejor” de sus respectivos años por las webs Muzikalia.com y Supernovapop.com (webs que lideran la información musical independiente en España). Sus dos trabajos siguientes siguieron esta linea (más experimental en el “disco Negro“, más directo en el “disco Rojo“), recibiendo alabanzas por diestra y siniestra.

Su líder, guitarra, voz y compositor Manuel Rivera se ha fraguado un lugar en el mundo musical independiente realizando colaboraciones al lado de diferentes músicos y componiendo las B.S.O de las películas de Santi Amodeo. Pero donde podemos ver su auténtica firma es con Maga. La procedencia de su nombre (la enigmática protagonista de “Rayuela“, la eterna novela de Julio Cortazar) ya nos da muchas pistas sobre las bases del grupo: la expresión minimalista, los símbolos y su entrañable incoherencia envuelven a todas sus letras y acordes. Embarcarse en su mundo es perder el rumbo con ellos.

Y de nuevo vuelven a las andadas. En su myspace (www.myspace.com/maga.maga) nos dan dos canciones como preludio. Y si, es Maga y se nota por todos sus rincones. Esperemos que el disco no defraude a sus “celestes” (así se hacen llamar sus seguidores) y podamos verlos de nuevo rondando los escenarios del país, llenando salas y haciendo saltar, como vi más de una vez, las lágrimas de su público.

En realidad, si conozco algo de la cultura que me rodea, ya sea cine, historia, literatura o ciencia, es gracias a él y gracias al programa que dirigía, La Rosa de los Vientos, con lo que era imperdonable que mi debut en este blog no fuera dedicándoselo a él.

Nacido en Albacete a finales de 1965, fue periodista, escritor y locutor de radio. Los programas que le dieron la fama fueron Turno de Noche, al comienzo, y la ya mencionada Rosa de los Vientos. La cantidad de libros que ha escrito es sólo comparable al número de premios que ha recibido en vida.

Yo, demasiado joven para admirarle en su Turno de Noche, me aficioné a su programa los domingos por la noche, cuando no podía escuchar a Iker Jiménez y sabiendo que todas las emisoras hablarían del tema taurino que, respetándolo, no me atrae en absoluto. Empecé por ahí, escuchándole durante unos minutos a partir de la 1 de la mañana y terminé por descargarme los podcast de todos los programas para poder disfrutar de las clases magistrales que eran para mí las noches de los fines de semana.

Así, cuando aquella noche del 20 de octubre de 2007 escuché aquel comunicado que dio Onda Cero, tuve que pasarme la noche dando vueltas en la cama intentando buscar la tranquilidad del sueño sin terminar de creerme la noticia. Rezaba así:

“Ha fallecido Juan Antonio Cebrián, de repente, por culpa de un infarto traicionero que llegó esta tarde sin avisar, sin darle ocasión a Juan Antonio de despedirse de ustedes, la familia de los oyentes de Onda Cero y la familia de sus oyentes de ‘La Rosa de los Vientos”

Así, los homenajes empezaron a salir de la nada hasta el día de hoy, día en que vuelvo a recordar al maestro que tantas buenas historias me ha contado y muchas de las cuales os iré narrando en el tiempo que pase escribiendo en este blog que me ha dado la oportunidad de expresarme. Como diría el maestro: Fuerza y honor!

Homenaje a Juan Antonio Cebrián

French Roast, de Fabrice O. Joubert

(Francia) Un rico hombre de negocios entra en un lujoso café parisino. De repente, se da cuenta de que ha perdido la cartera, y comienza a pedir cafés para hacer tiempo…

Sí, en efecto es uno de esos cuento-moraleja. Personalmente, el que más me ha gustado.

Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty, de Nicky Phelan y Darragh O’Connell

(Irlanda) Una peculiar abuela explica un cuento para (no)dormir a su aterrado nieto. El corto mezcla de forma muy original la animación clásica con la de 3D. Lo mejor: la cara de pánico del niño al inicio de la animación. Ah, y su página web.

La dama y la muerte, de Javier Recio Gracia

(España) Sí, España se ha colado en la carrera de los Oscar con este corto que nos describe el camino de una anciana hacia la muerte.  Admirables la forma de tratar un tema tan delicado a la vez que polémico y las similitudes de los personajes con los ya clásicos de la animación en 2D  (¿o acaso no podría ser este médico el hijo no reconocido de Gastón de la Bella y la Bestia?).

Logorama, de Nicolas Schmerkin

(Francia). Crítica al el consumismo protagonizada por logotipos archiconocidos de marcas comerciales, como el payaso de McDonalds o el muñeco Michelín. En este caso el argumento es lo de menos, sí, pero ¿a quién le importa eso viendo algo tan fabuloso puesto en escena de una forma tan original? Un trabajo impresionante.

A Matter of Loaf and Death, de Nick Park

(UK). Parte como favorita después de la sorpresa que nos dio (y se dieron) Pixar al no quedar finalistas. Wallace & Gromit protagonizan esta nueva aventura, en la que la que Gromit deberá convertirse en detective para resolver las misterioras desapariciones de los panaderos de la ciudad y así proteger a su dueño.

Buf, soy de los que piensan que un corto no es una peli triturada. Además, esto me recuerda demasiado al Inspector Gadget. En todo caso, cuando lo vea entero, ya me retractaré.

Paseando por tierras romanas, después de haber visitado ya los Greatest hits de la Guía Michelin, tropecé  hace unos meses con lo que, en un primer momento, pareció una exposición de Beatrix Potter. Craso error.

Se trataba de una exposición inagural de Cristina Gardumi, italiana de 29 años, licenciada en Arte dramático, en la que se presentaban las actividades de Imargini, una asociación de artistas que pretende tratar conjuntamente disciplinas como el teatro, la pintura, la fotografía, literatura, la música, alejándose de su tradicional separación para experimentar con ellas de una forma mucho más real, más completa y creativa.

Las obras expuestas escenificaban una combinación de inocencia y perversión realmente sorprendente. En las paredes, dibujos sencillos a la par que sugerentes basados en retratos de animales. Y presidiendo la sala, una alfombra hecha de consoladores. Pero lejos de parecer una típica/tópica intromisión en el mundo de lo erótico-morboso, la obra unía sexualidad y sensualidad de una forma mucho más sugestiva, desde una perspectiva más insinuante. Una, permítanme decirlo, delicia.

La obra que se estrenaba, “Il bello degli animale è che ti voglione bene senza chiedere niente” (lo bueno de los animales es que quieren el bien sin pedir nada),  habla de la vida, y sobretodo la muerte. Es la historia de una persona que espera, en la que cuatro personajes discuten envueltos en sueños, en enfermedad y sufrimiento.

Os dejo aquí el trailer de la obra. Bon appétit.

Lo admito: sí, yo veía Las Chicas Gilmore. Y sí, lo admito también, me gustaba. Por suerte, creo que no soy la única. Tal y como describía uno de los usuarios de filmaffinity, se trata de una serie que aparentemente se ajusta perfectamente a las típicas americanadas de sobremesa: familia guai que vive en un pueblo guai, con vecinos guais, donde todos son felices y comen perdices.

Pero después de un par de capítulos, te das cuenta que sus protagonistas escuchan a Björk, The Shin y a Carole King, han leído ciento veinte veces el Guardián entre el centeno y adoran el cine de los años 20 y 30. Que la serie tiene unos personajes secundarios extraordinarios, y que saben sacarle jugo hasta a la cola de la caja del supermercado. Y que así lo hacen también con su banda sonora.

Hay tres puntos a destacar por lo referente a la música: la aparición estelar de los trovadores, los ya casi míticos lalala’s y los cuidados gustos musicales de las protagonistas.

Lo primera impresión que nos llevamos al ver al trovador del pueblo es la de un tipo raro ligado siempre a una guitarra que parece no tener nunca frío. La segunda vez que lo vemos, nos damos cuenta de que es el tipo raro ligado a una guitarra con el que, en cada momento, la serie consigue traspasar la pantalla, atrayendo al espectador e involucrándolo en la vida de los personajes de la serie. Grant Lee-Phillips interpreta al imprescindible habitante de Stars Hollow que se pasea por los capítulos regalando música por sus calles. Impagable.

Aparecen entonces los lalala’s (nanana’s para algunos), la música que caracteriza propiamente a la serie: melodías compuestas e interpetadas por Sam Phillips que acompañan a los personajes allá donde vayan (o donde se queden). Y finalmente se adereza ese cóctel sonoro con todo un arsenal de referencias musicales de mano de sus protagonistas: Lorelai Gilmore admira a Metallica; Rory Gilmore, a PJ Harvey. Y de fondo, música indie de los 80 y 90. Todo un lujo.

Recuperamos aquí una celebrada sección de Desearte, lo opuesto al arte. En la era del bombardeo de imágenes en vez de las noticias documentadas, del twitter, los sms y los cuentos de una línea…¿quién tiene tiempo para ponerse a mirar todos los estrenos de uno en uno para comprobar si merece la pena ir a verlos? Cinecéfalo nos separa la paja del grano en unas cuantas líneas de cada uno de los estrenos semanales en las carteleras españolas. Al lío:

Todo incluído: cuatro parejas se van a una isla paradisiaca con intención en algunos casos de realizar terapia de pareja y otros simplemente a pasárselo en grande. Intuyo que acabarán ponéndose los cuernos los unos a los otros para al final volver con su pareja, o bien decidir dejarlo definitivamente. Nada, si acaso útil para parejas decrépitas. En el fondo creo que la peli es una excusa para que las actrices principales salgan en biquini.

Invictus: la historia del papel de la selección de Rugby de Sudáfrica, con el apoyo de Neslon Mandela, en la cohesión de un país donde los blancos jugaban a rugby y los negros al fútbol. Molt bonic, y la peli puede estar bien.

La cuarta fase: una excusa más para que en plena era de la razón y la ciencia, algunos gordos de Nebraska piensen que han tenido alguna experiencia cercana a lo extraterrestre porque una noche se despertaron paralizados y oyeron ruidos en su cerebro.

Chéri: turronazo de época de estas que no van bien conmigo, tipo retrato de una dama, el paciente inglés o sentido y sensibilidad. Dios, la de enemigos que voy a crearme con esto…

En tierra hostil: Unos soldados yankees de buen rollo se van a no sé dónde a desactivar bombas. Y es que como dicen en la recomendable En tierra de nadie: “un desactivador de bombas sólo comete un error en su vida”. Yo en realidad sigo sin comprender por qué no sueltan en los campos minados a unos cuantos toros corriendo, se cogen unas palomitas y a ver el espectáculo mientras recuperan valioso terreno cultivable, pero bueno.

La mujer sin plan: retrato de una ama de casa realizado seguramente por alguien que se inspiró en la chacha que le lava los calzoncillos, para reivindicar su dignidad mientras se toma un pacharán con sus amigos gafapasta.

Y creo que estos son los bodrios de la semana.