Del 25 de octubre al 4 de noviembre tenemos pues una cita obligada en la ciudad condal, donde nos acompañaran, entre muchísimos otros, el señor Dylan en uno de los considerados mejores documentales musicales de la historia, o Queen en su emblemático concierto de Budapest. Los Rolling y Joe Strummer serán protagonistas por partida doble, y encontraremos también otras rarezas, como la banda punk finlandesa de discapacitados Pertti Kurikan Nimipäivät o a la jovencísima prodigio del piano Marika Bournaki, asqueada del mundo en el que se ha visto envuelta.

Además, los fans de Sigur Rós, de The White Stripes o Joe Division están de suerte. En esta décima edición, como homenaje, o por falta de presupuesto, quién sabe, In-Edit recupera algunos de los documentales favoritos de su anterior edición, que completan Standstill y el ya mencionado Joe Strummer.

Por último, un grupo con los diez mejores documentales de la historia ha sido seleccionadas por expertos en música y cine entre los preferidos del señor In-edit. Habrá que creerles, o como mínimo, poder discutirles más que notables ausencias.

En todo caso, se repite, con las novedades típicas del paso del tiempo, el patrón de los años anteriores: un festival muy, muy atractivo, con grandes obras y aún mayores precios. Y nosotros, desde blogcultural, haremos lo que podamos, o lo que nuestro bolsillo nos permita. Toda una lástima.

Afortunadamente, aunque sólo pudimos estar allí un día -cuestión de trenes-, asistimos a lo que a priori nos interesaba más, que era la muestra de nuevas discográficas alternativas catalanas. Pero empecemos por el principio.

La Fira de la Música de Vila-seca (Tarragona) se celebró los pasados días 11, 12 y 13 de mayo. Aparte de su evidente planteamiento esencialmente comercial, y que personalmente considero fantástico, aún resulta más admirable el gran papel como dinamizador cultural que ejerce en la ciudad. Y es que cualquiera podía acceder a sus conciertos al aire libre gratuitamente, y casi gratuitamente al resto. Entre los participantes de este año se encontraban Les sueques, Joe Crepúsculo o Albert Pla.

Nosotros asistimos al Tantrum#1, en el que pequeñas discográficas, como ‘El genio equivocado‘, ‘The Indian Runners’, ‘Famèlic‘ y ‘Discos La Gàbia‘ nos presentaron a algunos de sus grupos.

En primer lugar, tengo que decir que, en música, no todo lo nuevo mola, ni es guai, ni es bueno, ni debe ser considerado como tal por ser raro. Porque si no, me pongo a dar golpecitos con la cucharita del te en en el borde de mi mesa mientras leo un poema al revés y mi perrita ladra, y grabo un disco. Y no.

Evidentemente, al contrario las cosas también fallan: no todas las bandas con buenos músicos, buenas voces y que suenan redondas, son buenas. Porque al fin y al cabo, los grandes grupos no sólo los forman grandes músicos, sino que son aquellos que hacen algo digno de ser escuchado. Y personalmente, no quiero un grupo que suene como los Beatles, porque para eso ya tengo a los Beatles, ni a uno que lo haga como Stevie Wonder, porque para eso ya tengo a Stevie Wonder. ¿Influencias? Por supuesto! Es lo que sabemos hacer. Pero ya está.

En tercer lugar, ahora se han puesto de moda, probablemente por exigencias de algunos locales musicales, los conciertos en formato acústico. Y parece ser que todavía los hay que no entienden que ni todas las canciones suenan bien en acústico, ni todos los grupos pueden presentarse en ese formato. Y mucho menos, se puede presentar a una banda de cuatro miembros llevando sólo a dos. “Hola, somos Queen pero hoy tocará en acústico Roger Taylor. Esperamos gustaros”. Pues no.

Volviendo a la feria, de las bandas que escuchamos en el Tantrum#1 me quedo con dos: ‘Renaldo & Clara‘ y ‘Las Ruinas‘. Con estilos claramente opuestos, fueron con diferencia las propuestas más sólidas e interesantes. ‘Renaldo & Clara’ presentaron un indie-pop muy, muy íntimo con el que, sobre todo gracias a la delicada voz de Clara Vinyals, cautivaron a un público que en silencio disfrutó de su propuesta. ‘Las Ruinas‘, por su parte, con su potente arsenal de punk-rock, fueron ya no sólo los más animados de toda la tarde, sino a mi parecer, unos de los más prometedores.

Finalmente, me gustaría cerrar el post de la mano de Joan Dausà. Él y su banda deben gran parte de su popularidad a la serie de animación a la que daba voz, ‘Arròs covat‘. Más recientemente ha sacado un disco, cuyo single se ha extendido como la pólvora por la red gracias a la aparición de conocidos personajes públicos de Catalunya explicando marujeos a lo Cuore. La plaza en la que actuaba estaba llena a rebosar, y después de preguntar cuántos de allí habían escuchado su disco, cuántos habían escuchado sólo el single y cuántos no sabían ni quién era, afirmó que eran estos últimos los que le interesaban, para que le juzgaran y, si les gustaba, se llevaran su propuesta con ellos y, a poder ser, también un disco. No son mi estilo, pero consiguieron lo que querían: llamar mi atención y, de paso, generarme cierta simpatía.

Mi segunda mayor habilidad, después de imitar hasta la saciedad el sonido de las tumbleweed, salicor o “boladeloeste“, como prefiráis, es utilizar a los Simpson para explicar lo que yo no sé, que es casi todo. Y hoy no va a ser menos. Empecemos así por la metáfora de los lápices de colores en el cerebro.

Ésta es una radiografía de nuestra educación en la actualidad: un montón de lápices de colores que se nos proporcionan a lo largo de nuestros años escolares cuyo destino es la mera obstrucción de nuestra capacidad de cuestionar. Evidentemente, el resultado final no es siempre el mismo. “A caballo regalado no le mires el dentado”, dicen algunos, así que cogen sus lapices, se los incrustan en la cabeza rápidamente y, acto seguido, se sientan a quejarse. También los hay que los cogen por compromiso, es lo que se espera de ellos, y aunque en el fondo saben que no deberían hacerlo, los introducen finalmente, de una forma quizás más ordenada, por su nariz, autoconvenciendose con un “¿qué podía hacer, si no?”. Finalmente tenemos el tercer grupo, al que les parece una tontería eso de meterse todos los lápices por la nariz por el más que evidente hecho de que se trata de un orificio de salida, y se los esconden en el bolsillo, para quizás proporcionárselos más adelante al grupo del caballo dentado, o aumentar el ego del segundo conjunto.

Un amigo mío siempre dice que pertenezco a la generación del “no sé”. Y es cierto. Como yo, muchos suelen responder a cualquier cuestión con un “no sé” por defecto-por si acaso, incluso aún siendo capaces de seguir su negativa con una explicación precisa y completa sobre lo que se les pregunta.

Cuando era pequeña me encantaba escribir. Mi primer cuento lo escribí a los cinco años con un 286, y era algo así como que dos niños iban andando por la calle, se cruzaban y se hacían amigos. A lo largo de los años fui perfeccionándolos -no era muy difícil-, y cada dos por tres les llevaba uno a mis profesores. Normalmente los escribía en catalán, y como en mi casa nadie lo dominaba, mis padres me ayudaban con el diccionario cuando me surgían dudas. Recuerdo una vez que yo quería decir “paraulota” (palabrota), y como a mi padre no le sonaba muy bien, al final me convenció para usar “paraulada”. Tenía yo 6 años, y mi profesora les preguntó a mis padres si eran ellos los que escribían esos cuentos, otorgándoles así el cerebro de una niña de párvulos. Y todo porque escribí “paraulada” en vez de “paraulota”. Seguramente debería haberme disculpado por intentar usar el diccionario, quizás tendría que haberme dedicado a pintar estrellitas, florecitas o cualquier cosa acabada en “ita”, que es lo que debía de poner en su manual del buen profe. A mi me pasó con la ortografía, una amiga mía no podía saber leer porque todavía no le tocaba, y otro sumaba demasiado bien para su edad y no podían hacer nada.

La cuestión es que existe un molde en el que a todos nos intentan encajar, porque se ve que así es como tiene que ser. Conmigo al final lo consiguieron: aprendí a estudiar para sacar mejores notas que los demás, no a estudiar para saber, dejé de escribir y casi de leer por placer y me dediqué a lo que tenía que hacer. Y no me fue mal en ese sentido. Supongo que yo formaba parte del grupo dos de los lápices.

Y es que existen unos parámetros absurdos en nuestra educación formal. Existe esta necesidad imperiosa de hacer ver que nuestros hijos o nuestros alumnos son buenos estudiantes, cuando no somos capaces de inculcarles interés real por nada. ¿De qué sirve sacar un 10 en geografía si no pretende saber dónde están los Champs Élysées, o en historia si le da igual quién fue Von Braun o qué nos referimos con la revolución cultural china?

Porque ahora no se pretende aprender, se estudia, se hacen trabajos y se aprueban exámenes. Los niños dejan de ser niños demasiado pronto, se les aburre con montones y montones de horas de clase, para salir del colegio y seguir haciendo montones y montones de deberes. A los chavales con más dificultades, en vez de estimularlos para encontrar algo que les motive, se les junta en el grupo de los tontos, se les ponen exámenes que deberían haber superado con los ojos cerrados tres años antes y se espera a que cumplan los 16 para meterlos en un PQPI. Y a los profesores no se les permite casi flexibilidad para poder adaptarse a las necesidades de los alumnos, tendiendo que aplicar unos métodos en los que, mucho, ya no creen. Así va nuestro país.

Lo bueno se hace esperar, según dicen. O mejor aún: lo bueno se hace esperar, y si es mucho, viene además por partida doble. Como los petit-suisse.

He de agradecerle a la señora cabezonería, o a la señora peserverancia, que suena mejor, el hecho de haberme permitido ver “Declaración de guerra“, de Valérie Donzelli. Parece ser que tiendo a llorar en las pelis, y no había que ser muy observador para darse cuenta de que verla supondría abocarse inevitablemente al vacío de los llantos. Así que tuve que esperar a que alguna alma caritativa quisiera acompañarme al cine, y eso fue dos semanas antes de que la retiraran del circuito económico cinematográfico, si es que todavía existe ese término, de Barcelona.

Y ahí llego mi segunda alegría del día, y es que finalmente fuimos a verla a los cines Meliès. No suelo subir a Barcelona a ver películas porque, además de que sale extraordinariamente caro, tardo una hora y casi 6 euros en llegar allí, y soy becaria. Pero la ocasión lo merecía, y el resultado superó con creces las expectativas: dos euros más barato que la media en la ciudad, un sonido buenísimo y encima, una programación para rezagados como yo.

‘Declaración de guerra‘ es definitivamente una película redonda. Pero empecemos por el principio.

La sinopsis no dejaba lugar a dudas: nos encontrábamos ante un señor drama. Los protagonistas, Romeo y Juliette, dos jóvenes padres, se enfrentan a la guerra de su vida, que es superar la grave enfermedad de su hijo Adam. A priori, podría parecer perfectamente el argumento de una de esas pelis-siesta de los domingos en Antena3. Afortunadamente, hay gente que ha nacido para hacer algo grande, y lo sabe, como Freddie Mercury o, en este caso, Valérie Donzelli.

Lo segundo que tenemos que saber es que se trata de una película biográfica: los dos actores principales, la propia Valérie y Jérémie Elkaïm, lo sufrieron en su propia piel. Y es probablemente por eso que se han apartado del melodrama lacrimógeno a la americana, mostrado la cara más inusualmente amable de la situación. De hecho, ya desde el primer momento la autora nos hace saber que todo va a acabar bien. Y eso, la verdad, es un alivio para los lloricas como yo.

La película está plagada de escenas fantásticas. ¿Mi favorita? la noche anterior a la operación, en la que los dos protagonistas comienzan a hablar de sus miedos de una forma tan auténtica que obvian lo evidente.

El film tontea además con lo más alternativo del cine de autor. Pero lejos de convertirlo en un producto superfluo, lo hace con tanta sutileza que consigue lo que quiere: rebajar la crudeza del momento y mostrarnos algo más allá de lo palpable.

Por lo que se refiere a la banda sonora es también fantástica. Combina tantos géneros distintos, desde la electrónica hasta la música clásica, que resulta difícil enmarcarla dentro de un estilo concreto. Sin embargo, es precisamente esa línea aparentemente dispar la que le aporta una insólita coherencia, adaptándose perfectamente a cada situación particular.

Para acabar, me pareció muy interesante una entrevista a Jérémie que leí hace unos días en sosmoviers. En ella habla del guión, del rodaje, de cómo adaptaron su propia historia al cine. En resumen, todo un lujo austero que nadie debería perderse.

Esta edición ha contado con un total de 336 microcortos, lo que a nivel vital supone casi tres horas de tiempo invertido, de las cuales dos, ahora ya puedo decirlo, debería haberlas dedicado a hacer ganchillo, que al menos me habría servido para algo. Quitando los cortos que ni siquiera se merecen mención (demasiados), y sin tener en cuenta la cuestión técnica, el tema estrella de este año ha sido evidentemente la crisis. A este poderoso grupo hay que añadir el del cierre de Megaupload, el poder de las redes sociales y del Whatsappy, como no, los inspirados en el Flatmates 3.0, ganador en la anterior edición.

Uno de los aspectos que más me ha crispado este año ha sido que, incluso en los cortos que más me han gustado, el clásico “esto ya lo he visto antes” se ha mantenido constante en mi cabeza. Aún así, he conseguido seleccionar mis favoritos de la presente edición.

En el 10º puesto está George, de Angel Puado Veloso. La idea me parece bastante interesante, y aunque el resultado final es simple, está suficientemente logrado.

En el 9º puesto empatan ‘The Whistler’, de David Castro González y ‘Sheeple’ de Alejandro Pérez Blanco. Ambos son técnicamente impecables y cuentan con un magnífico guión. Sin embargo, creo que es esa perfección la que me deja un poco fría. Aún así, objetivamente formidables.

En la 8ª posición encontramos ‘The battle (la batalla)‘, de Íñigo Cavia de la Torre, un corto devastador, mucho menos explícito que los demás y con una voz en off estremecedora que logra un resultado final bastante bueno.

El 7º lugar es para ‘Recortes‘, de Almudena Ballester Carrillo y Pedro Moreno del Oslo. Evidentemente el tema de la crisis y los recortes ha dado para mucho, muchísimo, demasiado. Este corto lo plantea, sin embargo, de una forma muy original y llamativa. Me encanta.

En 6º lugar encontramos ‘Epílogo‘, de Juan Carlos Aceituno López. Aún siendo a nivel general un tema bastante recurrente, logra transmitir muy bien un mensaje que, por otro lado, parece que últimamente tenemos bastante olvidado. Ah, y un hurra para el actor principal.

El 5º puesto lo ocupa ‘‘Infancia’, de Angel Puado Veloso. Como un poema, es el que cuenta la historia más bella. Le falla, sin embargo, todo lo demás. Por dios, lo que se podría haber hecho! Aún así, se merece estar como mínimo entre los cinco primeros.

Rozando el podio encontramos en 4º lugar ”En tus manos‘ de Miguel Ciganda Urdiain. Cierto, podría ser perfectamente un anuncio de Ikea, pero me encanta su realización, el guión, la banda sonora, su atractivo visual y su optimismo. Una fórmula fantástica para un resultado también muy bueno.

Y ahora sí, llegamos a los tres primeros puestos.

En tercer lugar, empatan ‘Noventa‘, de Francisco Cortés Cano, y ‘Asocial network‘, de Jose Medina . ‘Noventa‘ me gusta por su simplicidad y su mensaje directo. Ciertamente la historia está muy sobada, y cada año aparecen cortos similares, incluso mejores. Qué le voy a hacer, este tipo de cortos son mi debilidad.

Por su parte, de todos los que hablan sobre las redes sociales, que son muchos, ‘Asocial network’ es sin duda el mejor, tanto a nivel técnico como de ejecución y de guión. Impactante, logra transmitir una tensión insólita sobre la cruda dualidad de las redes sociales.

El segundo lugar es para ‘Pasado, presente y futuro‘, de Marc Riba y Anna Solanas, el único corto de animación que se ha colado en la lista. Además de estar magníficamente hecho, reflexiona de una forma meticulosa y original sobre la sociedad de consumo en la que vivimos. He de reconocer que lo he tenido que ver varias veces para poder apreciar los numerosos matices que nos presenta, pero cuando lo he logrado me han parecido fabulosos.

Finalmente, el primer puesto es para ‘Un deseo‘, de Marc Fuentes Meakes. Este corto me enganchó desde la primera vez que lo vi. Técnicamente es impecable, y dejando a un lado la actuación de las dos jóvenes al final del corto, el mensaje que pretende transmitir es de los más interesantes que nos presenta esta edición. Y sí, otra vez puede que ya esté muy visto, pero el hecho de lograr condensarlo en treinta segundos, y de hacerlo tan bien, me parece loable.

Finalmente, la Mención de Honor se la lleva ‘El gran imperio azteca‘, de Pedro Rendón Burgos. A nivel técnico resulta bastante pobre, es verdad, pero tiene el título más revelador de todos y está plagado de simbolismo. Y da que pensar, cosa que no logran muchos de sus adversarios.

Partamos del hecho de que, en un principio, un documental sobre un festival en los 70 en UK es algo muy parecido a uno sobre Woodstock, edulcorado quizás, y probablemente sin algunos de los grandes. En ese sentido, el festival de la isla de Wight jugó al límite, contando con la presencia de Jim Morrison y con un Jimmy Hendrix tres semanas antes de su muerte.

Y esa habría sido la esencia del documental si el festival no se hubiera convertido en un desastre. Un verdadero fiasco que consiguió sacar de sus casillas a la mismísima Joni Mitchell. Y no por falta de asistencia -se calculan unos 600.000 asistentes en una isla con una población habitual de 100.000-, sino por el jipismo absurdo llevado al extremo que se dio cita allí.

Se trataba de la tercera edición de la réplica europea de Woodstock. Y el entorno no podía ser más idílico: un festival de música y paz, en la vieja Europa, en una isla de difícil acceso, y con unas antesalas más que esperanzadoras.

El principal problema, y que se nos muestra ampliamente en el documental, partió de una malísima organización y acabó con unos accesos completamente descontrolados, dado que gran parte de los asistentes, que superaban con creces las previsiones, se negaba a comprar su entrada.

Y es aquí donde aparece la dicotomía entre la libertad y la rebeldía y el amor y la música que suponía la utopía de estos festivales, y la realidad más aplastante, y es que nadie hace nada gratis. Y todo perfectamente aderezado con unos pihippies que en su gran mayoría exigían poder participar sin soltar un duro. -porque, tal y como afirma uno de los entrevistados, la mayoría de los asistentes eran niños de papá con su modo rebelde activado-.

A nivel musical, personalmente destacaría sobre todo a Joni Mitchell y su histórico ‘Woodstock’ interrumpido por un señor barbudo, y a Moody Blues con ‘Nights in white satin’. La banda sonora la completan grandes como The Who, Joan Baez, Jimi Hendrix, Miles Davies o Chicago. Me atrevería a decir que en este aspecto dista en calidad de lo que nos ofrecieron Woodstock y Monterey Pop, pero soy admiradora acérrima de Janis Joplin y del vozarrón de Grace Slick, así que hablaría desde el rencor.

En definitiva, el documental resulta bastante interesante y altamente atractivo precisamente porque nos muestra la cara más amarga de ese momento bucólico que llegaba a su fin. Y es que el festival de la isla de Wight supuso algo así como el fin de un sueño. Fue algo próximo al adiós de algunos de los portavoces del movimiento, como Jim Morrison y Jimi Hendrix, y representó la emergencia del radicalismo hippie más absurdo que abogaba por una violencia claramente incongruente.

Me crucé con Lukas Moddysson casi por casualidad, curioseando entre montones de películas con carátulas de atractivo dispar. Si bien sus múltiples mensajes de “Selección oficial para…” resultaban ciertamente interesantes, lo que finalmente decantó la balanza fue el cuello gigantesco del jersey que aparecía en la portada de Lilja 4-ever. Cabe decir que este criterio suele servirme para la elección de películas, pero en el caso de los libros soy un poco más escéptica, ya he tenido más de un susto, como el del soporífero “la elegancia del erizo”, que no desearía ni a mi peor enemigo. En este caso, sin embargo, acerté.

Lilja 4-ever se ha convertido en una de mis películas preferidas. Y no lo ha hecho precisamente por gozar de una perfección estética ni de una magnífica banda sonora de la mano de la banda alemana Rammstein. O quizás sí, porque resulta sorprendente cómo el uso de esa aparente incoherencia tanto visual como sonora consigue redondear de forma tan enigmática un film. La perfección de la imperfección, será.

Lilja tiene 16 años, vive en la URSS de la década de los 70 y se prostituye para sobrevivir después de que su madre se fuera a EEUU dejándola totalmente desamparada. Ahora a Lilya ya sólo le queda un bastón, su amigo Volodia, para intentar salir adelante. Y si fuera una película americana, al final su madre volvería y todos vivirían felices y comerían perdices. Pero no es así, que nadie se espere el más mínimo mensaje alentador como moraleja.

El caso es que nunca antes me habían despertado imágenes de una película durante tantas noches seguidas. De hecho, aún no he conseguido quitarme de la cabeza el desespero de Lilja cuando su madre se va. Porque Lilja es así. Lilja habla sobre la explotación sexual de menores de forma cruda y descarnada, dolorosa, desgarradora. Lilja te destripa, se destripa. Lilja es casi inhumana. Porque si Moodysson te la hubiera presentado como una película lacrimógena, habría sido más fácil olvidarla, desprenderte de ella.

Y ésa es la maravilla de Lilja: consigue dejarte huella, pero de verdad, y hacerte sentir como una mierda ante tan implacable indiferencia con la que nos enfrentamos a esta aparentemente alejada realidad. Y lo hace de una forma sumamente atractiva.

Mi segundo encuentro con Moodysson vino de la mano de Fucking Amal, un drama sobre la homosexualidad adolescente. Y pese a las atrocidades que puede presentarnos el cine sobre adolescencia y sobre homosexualidad, y encima combinados, Fucking Amal consigue un resultado redondo bastante interesante. Pero de ella ya hablaremos más adelante. que hoy hace frío y necesito calentarme las manos.

Me encanta ir al cine. Desgraciadamente mi sueldo de becaria da para poco si además pretendo seguir manteniendo mi status con el menú gigante de palomitas y nestea, así que suelo pisar una sala de cine menos de lo que me gustaría. Por eso y porque generalmente las carteleras de los cines principales las copan unos señores bodrios -que en otra cosa no, pero en eso, sí que son realmente grandes- y sus contrincantes más alternativas combinan pequeñas joyas con películas con insufribles aspiraciones cultas incompatibles además con los horarios de bus nocturno.

Pero un buen día del espectador resulta que te levantas y decides que esa semana toca ver The Artist y, por qué no, también Arrugas, porque encima tienes descuento de estudiante. Y te acabas dando cuenta de que estás ante una obra maestra primero, y ante una película desgarradora y fabulosa después.

No voy a hablar de The Artist. Es sin duda la mejor, y de lejos, película del año. Es volver a creer en que el cine es algo grande, grandísimo, inmenso. Pero como todo esto ya se ha dicho muchos, prefiero tirar hacia nuestro producto interior.

‘Arrugas‘ es un film de animación en 2D basado en el aclamadísimo cómic homónimo de Paco Roca, y que hasta el último momento estuvo en las quinielas de los Oscar como mejor película de animación. Se trata de un largometraje sobre el drama del alzheimer que tiene precisamente en la emotividad -que no sentimentalmismo- de una historia bien contada su mayor baza, y supone en último término una dura crítica al desarme emocional con el que a menudo trata la sociedad a los más ancianos.

La trama transcurre a través de los pasillos casi fantasmagóricos de un geriátrico que se ha convertido en el punto final de unos personajes que, sin quererlo, se niegan a despedirse así de todo lo que han sido y de todo lo que han vivido. Habla de nostalgia, de soledad, del tiempo, de incertidumbre, de olvido, de frustración, de miedo. Habla del principio y habla del final de una vida. Y aunque en ciertos momentos adquiere tintes divertidos, la película es eminentemente triste. Una tristeza edulcorada quizás, porque incorpora momentos entrañables tan maravillosos que por un instante consiguen hacernos olvidar la verdadera realidad que nos están narrando.

En todo caso, ya solamente por poder disfrutar de la extraordinaria escena del campanario, uno de los momentos románticos más bonitos que he visto en muchísimo tiempo, vale la pena ir a verla.

Sólo podría mencionar un pequeñísimo ‘pero’, y es la estigmatización de uno de los protagonistas, argentino, y su amor por el engaño y el dinero. Eso sí, un hecho que sorprende tan sólo al principio, dado que a medida que pasan los minutos y se redondean los personajes, se convierte en un asunto más que banal.

Llegados a este punto, el miedo me invade, puesto que no me atrevo a volver al cine porque temo bajar de esta nube ante otra película mediocre. Pero qué se le va a hacer, habrá que intentarlo, tarde o temprano podría cruzarme de nuevo con otra maravilla del séptimo arte.

Escucho a los Beatles desde que tengo uso de razón, aunque nunca me he considerado una beatlemaníaca en general por lo despectivo del término. Y no lo soy tampoco porque parece ser que implica que ante cualquier beatleevento, como presentación de documental, recopilatorio navideño o fotografías de beatles desnudos, vete tú a saber, debes decir que mola si es innovador, que no mola si te cuenta cosas que ya sabemos. Y que encima, sumado a un fenómeno Scorsese, genera una expectativa tan amplia que la desilusión por resultar finalmente algo mediocre preferimos esconderla tras un tupido velo.

Living in the material world es una película excesivamente larga, excesivamente pesada y excesivamente descontextualizada. Si bien, como comentábamos anteriormente, rinde tributo al beatle más enigmático, siempre a la sombra del binomio Lennon-McCartney, hecho que ya de por sí es de agradecer, Scorsese construye un relato irregular y hasta cierto punto sensacionalista, inconexo, y superficial.

Por el camino aparecen innumerables personajes del todo innecesarios, desde productores a ex-rollos, ex-novias o ex-amantes, y otros un tanto más interesantes, con la más que ineludible presencia Paul McCartney y Ringo Starr, viejos archivos con declaraciones de Harrison o la entrañable intervención de su hijo Dhani. Merece una mención especial el Maharishi Mahesh Yogi, simpático gurú y desaparecido multimillonario, bajito y de voz aguda al que posteriormente un desengañado Lennon dedicaría la canción Sexy Sadie. Si bien algunas de las críticas caídas sobre el film destacaban el excesivo peso había adquirido el misticismo de Harrison en el documental, personalmente creo que fue un mal menor; al contrario, bien planteado, incluso podría hasta haber sido interesante. En fin.

Y cierro el post con una sensación agridulce, porque sin duda me habría encantado poder decir que el montaje era impecable, las imágenes, todas extraordinarias, que el hilo conductor no lo definía tan solo el material que los becarios de Scorsese habían conseguido recopilar, que a Harrison no lo presentaban como un ser infiel y prácticamente carente de sentimientos y sobre todo, que no estuve esperando ansiosa durante más de treinta minutos que anunciaran su muerte. Pero ya es tarde. Y como el trailer del documental me parece demasiado prometedor, os dejo la anécdota de la entrada más cara de la historia.

Empezamos nuestros comentarios sobre lo que pudimos ver en el Festival In-Edit haciendo referencia al documental que pretende ser la biografía definitiva del mítico grupo Queen. Days of our lives, adopta el título de una de las últimas composiciones de la banda para ofrecer un trabajo transversal sobre la historia de Queen. En base a entrevistas con los miembros de la banda – con la notable ausencia de John Deacon, retirado de la escena musical, y obviamente tirando de archivo para recoger comentarios de Freddie Mercury- y de otros personajes del entorno del grupo, se va mostrando una historia ordenada cronológicamente y con la profesionalidad habitual que destila una producción de la BBC.
¿Suena aburrido? pues no lo es para nada. Tanto para los queenófilos declarados como yo como para cualquier otro espectador, la historia de Queen engancha por sus divertidas anécdotas, por la sinceridad al expresar sus errores y por el emotivo final de Freddie Mercury. Los testimonios de Brian May y Roger Taylor arrojan nuevos matices sobre las anécdotas más conocidas del grupo: los inicios glam del grupo, su difícil relación con la prensa, la llegada del éxito con Bohemian Rhapsody y A night at the opera, la fiesta donde supuestamente había enanos con bandejas con coca sobre sus cabezas, sus polémicos concietos en Argentina durante la dictadura de Videla y en Sudáfrica mientras estava vigente el Apartheid, el denostado disco Hot Space, los escarceos amorosos de Freddie en Munich.

Teniendo en cuenta que el film intenta cubrir la extensa biografía de la banda, quizá los fans más exigentes encuentren demasiada superficialidad en los pasajes más destacados del grupo. Pero era imposible abarcar en toda su dimensión cada aspecto de la historia de Queen. Por ejemplo, ya sólo la creación de A night at the opera dio para un grandísimo documental dentro de la serie “Classic Albums”.

Eché de menos algunas historias de la historia, como por ejemplo ofrecer más detalles sobre la colaboración de la banda en las películas Flash Gordon y Los Inmortales, que dieron lugar a la creación del álbum homónimo en el primer caso y de A Kind of Magic (1986) en el segundo, pero los olvidos son mínimos: todas las historias se van tejiendo sin prisa pero sin pausa y el resultado es un documental que prescinde de cualquier artificio innecesario o experimento creativo. Se limita a contar una historia que merece ser contada y rodar un documental que merece ser visto.