Mi segunda mayor habilidad, después de imitar hasta la saciedad el sonido de las tumbleweed, salicor o “boladeloeste“, como prefiráis, es utilizar a los Simpson para explicar lo que yo no sé, que es casi todo. Y hoy no va a ser menos. Empecemos así por la metáfora de los lápices de colores en el cerebro.

Ésta es una radiografía de nuestra educación en la actualidad: un montón de lápices de colores que se nos proporcionan a lo largo de nuestros años escolares cuyo destino es la mera obstrucción de nuestra capacidad de cuestionar. Evidentemente, el resultado final no es siempre el mismo. “A caballo regalado no le mires el dentado”, dicen algunos, así que cogen sus lapices, se los incrustan en la cabeza rápidamente y, acto seguido, se sientan a quejarse. También los hay que los cogen por compromiso, es lo que se espera de ellos, y aunque en el fondo saben que no deberían hacerlo, los introducen finalmente, de una forma quizás más ordenada, por su nariz, autoconvenciendose con un “¿qué podía hacer, si no?”. Finalmente tenemos el tercer grupo, al que les parece una tontería eso de meterse todos los lápices por la nariz por el más que evidente hecho de que se trata de un orificio de salida, y se los esconden en el bolsillo, para quizás proporcionárselos más adelante al grupo del caballo dentado, o aumentar el ego del segundo conjunto.

Un amigo mío siempre dice que pertenezco a la generación del “no sé”. Y es cierto. Como yo, muchos suelen responder a cualquier cuestión con un “no sé” por defecto-por si acaso, incluso aún siendo capaces de seguir su negativa con una explicación precisa y completa sobre lo que se les pregunta.

Cuando era pequeña me encantaba escribir. Mi primer cuento lo escribí a los cinco años con un 286, y era algo así como que dos niños iban andando por la calle, se cruzaban y se hacían amigos. A lo largo de los años fui perfeccionándolos -no era muy difícil-, y cada dos por tres les llevaba uno a mis profesores. Normalmente los escribía en catalán, y como en mi casa nadie lo dominaba, mis padres me ayudaban con el diccionario cuando me surgían dudas. Recuerdo una vez que yo quería decir “paraulota” (palabrota), y como a mi padre no le sonaba muy bien, al final me convenció para usar “paraulada”. Tenía yo 6 años, y mi profesora les preguntó a mis padres si eran ellos los que escribían esos cuentos, otorgándoles así el cerebro de una niña de párvulos. Y todo porque escribí “paraulada” en vez de “paraulota”. Seguramente debería haberme disculpado por intentar usar el diccionario, quizás tendría que haberme dedicado a pintar estrellitas, florecitas o cualquier cosa acabada en “ita”, que es lo que debía de poner en su manual del buen profe. A mi me pasó con la ortografía, una amiga mía no podía saber leer porque todavía no le tocaba, y otro sumaba demasiado bien para su edad y no podían hacer nada.

La cuestión es que existe un molde en el que a todos nos intentan encajar, porque se ve que así es como tiene que ser. Conmigo al final lo consiguieron: aprendí a estudiar para sacar mejores notas que los demás, no a estudiar para saber, dejé de escribir y casi de leer por placer y me dediqué a lo que tenía que hacer. Y no me fue mal en ese sentido. Supongo que yo formaba parte del grupo dos de los lápices.

Y es que existen unos parámetros absurdos en nuestra educación formal. Existe esta necesidad imperiosa de hacer ver que nuestros hijos o nuestros alumnos son buenos estudiantes, cuando no somos capaces de inculcarles interés real por nada. ¿De qué sirve sacar un 10 en geografía si no pretende saber dónde están los Champs Élysées, o en historia si le da igual quién fue Von Braun o qué nos referimos con la revolución cultural china?

Porque ahora no se pretende aprender, se estudia, se hacen trabajos y se aprueban exámenes. Los niños dejan de ser niños demasiado pronto, se les aburre con montones y montones de horas de clase, para salir del colegio y seguir haciendo montones y montones de deberes. A los chavales con más dificultades, en vez de estimularlos para encontrar algo que les motive, se les junta en el grupo de los tontos, se les ponen exámenes que deberían haber superado con los ojos cerrados tres años antes y se espera a que cumplan los 16 para meterlos en un PQPI. Y a los profesores no se les permite casi flexibilidad para poder adaptarse a las necesidades de los alumnos, tendiendo que aplicar unos métodos en los que, mucho, ya no creen. Así va nuestro país.

Lo bueno se hace esperar, según dicen. O mejor aún: lo bueno se hace esperar, y si es mucho, viene además por partida doble. Como los petit-suisse.

He de agradecerle a la señora cabezonería, o a la señora peserverancia, que suena mejor, el hecho de haberme permitido ver “Declaración de guerra“, de Valérie Donzelli. Parece ser que tiendo a llorar en las pelis, y no había que ser muy observador para darse cuenta de que verla supondría abocarse inevitablemente al vacío de los llantos. Así que tuve que esperar a que alguna alma caritativa quisiera acompañarme al cine, y eso fue dos semanas antes de que la retiraran del circuito económico cinematográfico, si es que todavía existe ese término, de Barcelona.

Y ahí llego mi segunda alegría del día, y es que finalmente fuimos a verla a los cines Meliès. No suelo subir a Barcelona a ver películas porque, además de que sale extraordinariamente caro, tardo una hora y casi 6 euros en llegar allí, y soy becaria. Pero la ocasión lo merecía, y el resultado superó con creces las expectativas: dos euros más barato que la media en la ciudad, un sonido buenísimo y encima, una programación para rezagados como yo.

‘Declaración de guerra‘ es definitivamente una película redonda. Pero empecemos por el principio.

La sinopsis no dejaba lugar a dudas: nos encontrábamos ante un señor drama. Los protagonistas, Romeo y Juliette, dos jóvenes padres, se enfrentan a la guerra de su vida, que es superar la grave enfermedad de su hijo Adam. A priori, podría parecer perfectamente el argumento de una de esas pelis-siesta de los domingos en Antena3. Afortunadamente, hay gente que ha nacido para hacer algo grande, y lo sabe, como Freddie Mercury o, en este caso, Valérie Donzelli.

Lo segundo que tenemos que saber es que se trata de una película biográfica: los dos actores principales, la propia Valérie y Jérémie Elkaïm, lo sufrieron en su propia piel. Y es probablemente por eso que se han apartado del melodrama lacrimógeno a la americana, mostrado la cara más inusualmente amable de la situación. De hecho, ya desde el primer momento la autora nos hace saber que todo va a acabar bien. Y eso, la verdad, es un alivio para los lloricas como yo.

La película está plagada de escenas fantásticas. ¿Mi favorita? la noche anterior a la operación, en la que los dos protagonistas comienzan a hablar de sus miedos de una forma tan auténtica que obvian lo evidente.

El film tontea además con lo más alternativo del cine de autor. Pero lejos de convertirlo en un producto superfluo, lo hace con tanta sutileza que consigue lo que quiere: rebajar la crudeza del momento y mostrarnos algo más allá de lo palpable.

Por lo que se refiere a la banda sonora es también fantástica. Combina tantos géneros distintos, desde la electrónica hasta la música clásica, que resulta difícil enmarcarla dentro de un estilo concreto. Sin embargo, es precisamente esa línea aparentemente dispar la que le aporta una insólita coherencia, adaptándose perfectamente a cada situación particular.

Para acabar, me pareció muy interesante una entrevista a Jérémie que leí hace unos días en sosmoviers. En ella habla del guión, del rodaje, de cómo adaptaron su propia historia al cine. En resumen, todo un lujo austero que nadie debería perderse.

Esta edición ha contado con un total de 336 microcortos, lo que a nivel vital supone casi tres horas de tiempo invertido, de las cuales dos, ahora ya puedo decirlo, debería haberlas dedicado a hacer ganchillo, que al menos me habría servido para algo. Quitando los cortos que ni siquiera se merecen mención (demasiados), y sin tener en cuenta la cuestión técnica, el tema estrella de este año ha sido evidentemente la crisis. A este poderoso grupo hay que añadir el del cierre de Megaupload, el poder de las redes sociales y del Whatsappy, como no, los inspirados en el Flatmates 3.0, ganador en la anterior edición.

Uno de los aspectos que más me ha crispado este año ha sido que, incluso en los cortos que más me han gustado, el clásico “esto ya lo he visto antes” se ha mantenido constante en mi cabeza. Aún así, he conseguido seleccionar mis favoritos de la presente edición.

En el 10º puesto está George, de Angel Puado Veloso. La idea me parece bastante interesante, y aunque el resultado final es simple, está suficientemente logrado.

En el 9º puesto empatan ‘The Whistler’, de David Castro González y ‘Sheeple’ de Alejandro Pérez Blanco. Ambos son técnicamente impecables y cuentan con un magnífico guión. Sin embargo, creo que es esa perfección la que me deja un poco fría. Aún así, objetivamente formidables.

En la 8ª posición encontramos ‘The battle (la batalla)‘, de Íñigo Cavia de la Torre, un corto devastador, mucho menos explícito que los demás y con una voz en off estremecedora que logra un resultado final bastante bueno.

El 7º lugar es para ‘Recortes‘, de Almudena Ballester Carrillo y Pedro Moreno del Oslo. Evidentemente el tema de la crisis y los recortes ha dado para mucho, muchísimo, demasiado. Este corto lo plantea, sin embargo, de una forma muy original y llamativa. Me encanta.

En 6º lugar encontramos ‘Epílogo‘, de Juan Carlos Aceituno López. Aún siendo a nivel general un tema bastante recurrente, logra transmitir muy bien un mensaje que, por otro lado, parece que últimamente tenemos bastante olvidado. Ah, y un hurra para el actor principal.

El 5º puesto lo ocupa ‘‘Infancia’, de Angel Puado Veloso. Como un poema, es el que cuenta la historia más bella. Le falla, sin embargo, todo lo demás. Por dios, lo que se podría haber hecho! Aún así, se merece estar como mínimo entre los cinco primeros.

Rozando el podio encontramos en 4º lugar ”En tus manos‘ de Miguel Ciganda Urdiain. Cierto, podría ser perfectamente un anuncio de Ikea, pero me encanta su realización, el guión, la banda sonora, su atractivo visual y su optimismo. Una fórmula fantástica para un resultado también muy bueno.

Y ahora sí, llegamos a los tres primeros puestos.

En tercer lugar, empatan ‘Noventa‘, de Francisco Cortés Cano, y ‘Asocial network‘, de Jose Medina . ‘Noventa‘ me gusta por su simplicidad y su mensaje directo. Ciertamente la historia está muy sobada, y cada año aparecen cortos similares, incluso mejores. Qué le voy a hacer, este tipo de cortos son mi debilidad.

Por su parte, de todos los que hablan sobre las redes sociales, que son muchos, ‘Asocial network’ es sin duda el mejor, tanto a nivel técnico como de ejecución y de guión. Impactante, logra transmitir una tensión insólita sobre la cruda dualidad de las redes sociales.

El segundo lugar es para ‘Pasado, presente y futuro‘, de Marc Riba y Anna Solanas, el único corto de animación que se ha colado en la lista. Además de estar magníficamente hecho, reflexiona de una forma meticulosa y original sobre la sociedad de consumo en la que vivimos. He de reconocer que lo he tenido que ver varias veces para poder apreciar los numerosos matices que nos presenta, pero cuando lo he logrado me han parecido fabulosos.

Finalmente, el primer puesto es para ‘Un deseo‘, de Marc Fuentes Meakes. Este corto me enganchó desde la primera vez que lo vi. Técnicamente es impecable, y dejando a un lado la actuación de las dos jóvenes al final del corto, el mensaje que pretende transmitir es de los más interesantes que nos presenta esta edición. Y sí, otra vez puede que ya esté muy visto, pero el hecho de lograr condensarlo en treinta segundos, y de hacerlo tan bien, me parece loable.

Finalmente, la Mención de Honor se la lleva ‘El gran imperio azteca‘, de Pedro Rendón Burgos. A nivel técnico resulta bastante pobre, es verdad, pero tiene el título más revelador de todos y está plagado de simbolismo. Y da que pensar, cosa que no logran muchos de sus adversarios.

Partamos del hecho de que, en un principio, un documental sobre un festival en los 70 en UK es algo muy parecido a uno sobre Woodstock, edulcorado quizás, y probablemente sin algunos de los grandes. En ese sentido, el festival de la isla de Wight jugó al límite, contando con la presencia de Jim Morrison y con un Jimmy Hendrix tres semanas antes de su muerte.

Y esa habría sido la esencia del documental si el festival no se hubiera convertido en un desastre. Un verdadero fiasco que consiguió sacar de sus casillas a la mismísima Joni Mitchell. Y no por falta de asistencia -se calculan unos 600.000 asistentes en una isla con una población habitual de 100.000-, sino por el jipismo absurdo llevado al extremo que se dio cita allí.

Se trataba de la tercera edición de la réplica europea de Woodstock. Y el entorno no podía ser más idílico: un festival de música y paz, en la vieja Europa, en una isla de difícil acceso, y con unas antesalas más que esperanzadoras.

El principal problema, y que se nos muestra ampliamente en el documental, partió de una malísima organización y acabó con unos accesos completamente descontrolados, dado que gran parte de los asistentes, que superaban con creces las previsiones, se negaba a comprar su entrada.

Y es aquí donde aparece la dicotomía entre la libertad y la rebeldía y el amor y la música que suponía la utopía de estos festivales, y la realidad más aplastante, y es que nadie hace nada gratis. Y todo perfectamente aderezado con unos pihippies que en su gran mayoría exigían poder participar sin soltar un duro. -porque, tal y como afirma uno de los entrevistados, la mayoría de los asistentes eran niños de papá con su modo rebelde activado-.

A nivel musical, personalmente destacaría sobre todo a Joni Mitchell y su histórico ‘Woodstock’ interrumpido por un señor barbudo, y a Moody Blues con ‘Nights in white satin’. La banda sonora la completan grandes como The Who, Joan Baez, Jimi Hendrix, Miles Davies o Chicago. Me atrevería a decir que en este aspecto dista en calidad de lo que nos ofrecieron Woodstock y Monterey Pop, pero soy admiradora acérrima de Janis Joplin y del vozarrón de Grace Slick, así que hablaría desde el rencor.

En definitiva, el documental resulta bastante interesante y altamente atractivo precisamente porque nos muestra la cara más amarga de ese momento bucólico que llegaba a su fin. Y es que el festival de la isla de Wight supuso algo así como el fin de un sueño. Fue algo próximo al adiós de algunos de los portavoces del movimiento, como Jim Morrison y Jimi Hendrix, y representó la emergencia del radicalismo hippie más absurdo que abogaba por una violencia claramente incongruente.

Me crucé con Lukas Moddysson casi por casualidad, curioseando entre montones de películas con carátulas de atractivo dispar. Si bien sus múltiples mensajes de “Selección oficial para…” resultaban ciertamente interesantes, lo que finalmente decantó la balanza fue el cuello gigantesco del jersey que aparecía en la portada de Lilja 4-ever. Cabe decir que este criterio suele servirme para la elección de películas, pero en el caso de los libros soy un poco más escéptica, ya he tenido más de un susto, como el del soporífero “la elegancia del erizo”, que no desearía ni a mi peor enemigo. En este caso, sin embargo, acerté.

Lilja 4-ever se ha convertido en una de mis películas preferidas. Y no lo ha hecho precisamente por gozar de una perfección estética ni de una magnífica banda sonora de la mano de la banda alemana Rammstein. O quizás sí, porque resulta sorprendente cómo el uso de esa aparente incoherencia tanto visual como sonora consigue redondear de forma tan enigmática un film. La perfección de la imperfección, será.

Lilja tiene 16 años, vive en la URSS de la década de los 70 y se prostituye para sobrevivir después de que su madre se fuera a EEUU dejándola totalmente desamparada. Ahora a Lilya ya sólo le queda un bastón, su amigo Volodia, para intentar salir adelante. Y si fuera una película americana, al final su madre volvería y todos vivirían felices y comerían perdices. Pero no es así, que nadie se espere el más mínimo mensaje alentador como moraleja.

El caso es que nunca antes me habían despertado imágenes de una película durante tantas noches seguidas. De hecho, aún no he conseguido quitarme de la cabeza el desespero de Lilja cuando su madre se va. Porque Lilja es así. Lilja habla sobre la explotación sexual de menores de forma cruda y descarnada, dolorosa, desgarradora. Lilja te destripa, se destripa. Lilja es casi inhumana. Porque si Moodysson te la hubiera presentado como una película lacrimógena, habría sido más fácil olvidarla, desprenderte de ella.

Y ésa es la maravilla de Lilja: consigue dejarte huella, pero de verdad, y hacerte sentir como una mierda ante tan implacable indiferencia con la que nos enfrentamos a esta aparentemente alejada realidad. Y lo hace de una forma sumamente atractiva.

Mi segundo encuentro con Moodysson vino de la mano de Fucking Amal, un drama sobre la homosexualidad adolescente. Y pese a las atrocidades que puede presentarnos el cine sobre adolescencia y sobre homosexualidad, y encima combinados, Fucking Amal consigue un resultado redondo bastante interesante. Pero de ella ya hablaremos más adelante. que hoy hace frío y necesito calentarme las manos.

Me encanta ir al cine. Desgraciadamente mi sueldo de becaria da para poco si además pretendo seguir manteniendo mi status con el menú gigante de palomitas y nestea, así que suelo pisar una sala de cine menos de lo que me gustaría. Por eso y porque generalmente las carteleras de los cines principales las copan unos señores bodrios -que en otra cosa no, pero en eso, sí que son realmente grandes- y sus contrincantes más alternativas combinan pequeñas joyas con películas con insufribles aspiraciones cultas incompatibles además con los horarios de bus nocturno.

Pero un buen día del espectador resulta que te levantas y decides que esa semana toca ver The Artist y, por qué no, también Arrugas, porque encima tienes descuento de estudiante. Y te acabas dando cuenta de que estás ante una obra maestra primero, y ante una película desgarradora y fabulosa después.

No voy a hablar de The Artist. Es sin duda la mejor, y de lejos, película del año. Es volver a creer en que el cine es algo grande, grandísimo, inmenso. Pero como todo esto ya se ha dicho muchos, prefiero tirar hacia nuestro producto interior.

‘Arrugas‘ es un film de animación en 2D basado en el aclamadísimo cómic homónimo de Paco Roca, y que hasta el último momento estuvo en las quinielas de los Oscar como mejor película de animación. Se trata de un largometraje sobre el drama del alzheimer que tiene precisamente en la emotividad -que no sentimentalmismo- de una historia bien contada su mayor baza, y supone en último término una dura crítica al desarme emocional con el que a menudo trata la sociedad a los más ancianos.

La trama transcurre a través de los pasillos casi fantasmagóricos de un geriátrico que se ha convertido en el punto final de unos personajes que, sin quererlo, se niegan a despedirse así de todo lo que han sido y de todo lo que han vivido. Habla de nostalgia, de soledad, del tiempo, de incertidumbre, de olvido, de frustración, de miedo. Habla del principio y habla del final de una vida. Y aunque en ciertos momentos adquiere tintes divertidos, la película es eminentemente triste. Una tristeza edulcorada quizás, porque incorpora momentos entrañables tan maravillosos que por un instante consiguen hacernos olvidar la verdadera realidad que nos están narrando.

En todo caso, ya solamente por poder disfrutar de la extraordinaria escena del campanario, uno de los momentos románticos más bonitos que he visto en muchísimo tiempo, vale la pena ir a verla.

Sólo podría mencionar un pequeñísimo ‘pero’, y es la estigmatización de uno de los protagonistas, argentino, y su amor por el engaño y el dinero. Eso sí, un hecho que sorprende tan sólo al principio, dado que a medida que pasan los minutos y se redondean los personajes, se convierte en un asunto más que banal.

Llegados a este punto, el miedo me invade, puesto que no me atrevo a volver al cine porque temo bajar de esta nube ante otra película mediocre. Pero qué se le va a hacer, habrá que intentarlo, tarde o temprano podría cruzarme de nuevo con otra maravilla del séptimo arte.

Escucho a los Beatles desde que tengo uso de razón, aunque nunca me he considerado una beatlemaníaca en general por lo despectivo del término. Y no lo soy tampoco porque parece ser que implica que ante cualquier beatleevento, como presentación de documental, recopilatorio navideño o fotografías de beatles desnudos, vete tú a saber, debes decir que mola si es innovador, que no mola si te cuenta cosas que ya sabemos. Y que encima, sumado a un fenómeno Scorsese, genera una expectativa tan amplia que la desilusión por resultar finalmente algo mediocre preferimos esconderla tras un tupido velo.

Living in the material world es una película excesivamente larga, excesivamente pesada y excesivamente descontextualizada. Si bien, como comentábamos anteriormente, rinde tributo al beatle más enigmático, siempre a la sombra del binomio Lennon-McCartney, hecho que ya de por sí es de agradecer, Scorsese construye un relato irregular y hasta cierto punto sensacionalista, inconexo, y superficial.

Por el camino aparecen innumerables personajes del todo innecesarios, desde productores a ex-rollos, ex-novias o ex-amantes, y otros un tanto más interesantes, con la más que ineludible presencia Paul McCartney y Ringo Starr, viejos archivos con declaraciones de Harrison o la entrañable intervención de su hijo Dhani. Merece una mención especial el Maharishi Mahesh Yogi, simpático gurú y desaparecido multimillonario, bajito y de voz aguda al que posteriormente un desengañado Lennon dedicaría la canción Sexy Sadie. Si bien algunas de las críticas caídas sobre el film destacaban el excesivo peso había adquirido el misticismo de Harrison en el documental, personalmente creo que fue un mal menor; al contrario, bien planteado, incluso podría hasta haber sido interesante. En fin.

Y cierro el post con una sensación agridulce, porque sin duda me habría encantado poder decir que el montaje era impecable, las imágenes, todas extraordinarias, que el hilo conductor no lo definía tan solo el material que los becarios de Scorsese habían conseguido recopilar, que a Harrison no lo presentaban como un ser infiel y prácticamente carente de sentimientos y sobre todo, que no estuve esperando ansiosa durante más de treinta minutos que anunciaran su muerte. Pero ya es tarde. Y como el trailer del documental me parece demasiado prometedor, os dejo la anécdota de la entrada más cara de la historia.

Empezamos nuestros comentarios sobre lo que pudimos ver en el Festival In-Edit haciendo referencia al documental que pretende ser la biografía definitiva del mítico grupo Queen. Days of our lives, adopta el título de una de las últimas composiciones de la banda para ofrecer un trabajo transversal sobre la historia de Queen. En base a entrevistas con los miembros de la banda – con la notable ausencia de John Deacon, retirado de la escena musical, y obviamente tirando de archivo para recoger comentarios de Freddie Mercury- y de otros personajes del entorno del grupo, se va mostrando una historia ordenada cronológicamente y con la profesionalidad habitual que destila una producción de la BBC.
¿Suena aburrido? pues no lo es para nada. Tanto para los queenófilos declarados como yo como para cualquier otro espectador, la historia de Queen engancha por sus divertidas anécdotas, por la sinceridad al expresar sus errores y por el emotivo final de Freddie Mercury. Los testimonios de Brian May y Roger Taylor arrojan nuevos matices sobre las anécdotas más conocidas del grupo: los inicios glam del grupo, su difícil relación con la prensa, la llegada del éxito con Bohemian Rhapsody y A night at the opera, la fiesta donde supuestamente había enanos con bandejas con coca sobre sus cabezas, sus polémicos concietos en Argentina durante la dictadura de Videla y en Sudáfrica mientras estava vigente el Apartheid, el denostado disco Hot Space, los escarceos amorosos de Freddie en Munich.

Teniendo en cuenta que el film intenta cubrir la extensa biografía de la banda, quizá los fans más exigentes encuentren demasiada superficialidad en los pasajes más destacados del grupo. Pero era imposible abarcar en toda su dimensión cada aspecto de la historia de Queen. Por ejemplo, ya sólo la creación de A night at the opera dio para un grandísimo documental dentro de la serie “Classic Albums”.

Eché de menos algunas historias de la historia, como por ejemplo ofrecer más detalles sobre la colaboración de la banda en las películas Flash Gordon y Los Inmortales, que dieron lugar a la creación del álbum homónimo en el primer caso y de A Kind of Magic (1986) en el segundo, pero los olvidos son mínimos: todas las historias se van tejiendo sin prisa pero sin pausa y el resultado es un documental que prescinde de cualquier artificio innecesario o experimento creativo. Se limita a contar una historia que merece ser contada y rodar un documental que merece ser visto.

Los que vivimos cerca de Barcelona y nos interesa el mundo de la música, tenemos la suerte de disfrutar de una cita anual con el Beefeter In-Edit, un festival de documentales sobre el género musical, con especial énfasis en grupos y solistas destacados de la historia del rock y del pop.

A juzgar por las enormes colas en alguna sesiones, y por el cartel casi permanente de entradas agotadas que aloja la web, el festival tiene una muy buena acogida. En algunos de los pases basados en los artistas más legendarios, se puede ser testigo de una fila enorme de espectadores esperando su entrada dando casi la vuelta a la manzana, formada indistintamente por fans acérrimos del artista en cuestión, jóvenes amantes de eventos barceloneses que están a la última, espontaneos y rockeros con chupa de cuero y camiseta moderna, sepan o no tocar algún instrumento.

No nos importó que desde el Festival ni siquiera contestaran nuestra petición de acreditaciones de prensa, el hecho de que ciertos aspectos organizativos fueran mejorables y que el precio de la entrada pudiera ajustarse un poco más teniendo en cuenta que, sin conocer el presupuesto total del evento, el patrocinio de una empresa y las subvenciones y ayudas que reciben de múltiples entes públicos podría permitir precios más populares. Los tiempos son difíciles y se agradece el esfuerzo de organizar algo un poco más allá de la audiencia fácil.

La programación del Festival, que ha tenido lugar durante la última semana y que finaliza el próximo domingo, combina una mayoría de documentales producidos durante este año y algunas joyas pretéritas. Así, por la gran pantalla de céntricos cines barceloneses han desfilado las siempre interesantes historias de David Bowie, Lou Reed, Iggy Pop, Queen, Kings of Leon, Jaime Urrutia, la escena de rock vasca durante la transición y otras caras un tanto más desconocidas, como la fallecida Miriam Makeba, Staff Benda Bilili o Peter Brötzmann. También hay actividades paralelas y se ofrecen diferentes premios, pero nos hemos quedado un poco al margen de estos aspectos para centrarnos en algunas de las obras expuestas.

Desde Blog Cultural hemos tenido la ocasión de ir a ver algunos de los documentales ofrecidos en el Festival que os iremos analizando en los próximos posts. Os adelanto que hablaremos de la biografía definitiva de Queen, el extenso homenaje de Martin Scorsese a George Harrison, el caótico festival de la Isla de Wight, la poliédrica relación entre Bowie, Iggie Pop y Lou Reed, de las vicisitudes de un virtuoso violinista occidental durante la Revolución Cultural china y de alguna pieza más. Para abrir el apetito, os dejo el trailer de unos de los más grandes.

Hace cosa de un año, deambulando por librerías de segunda mano de Barcelona, me topé con el libro ‘Desnudos eróticos del pasado‘, de William C. Taylor. Me fascinó. El libro recopilaba retratos de desnudos eróticos de finales del siglo XIX y principios del XX, aderezándolos con poemas de ilustres como Charles Baudelaire, Valerius Catallus o Paul Verlaine. No lo compré en aquel momento, y me arrepentí durante meses: cuando por fin conseguí recordar dónde estaba dicha librería, el libro había desaparecido. Sin embargo, la casualidad y el empeño por no escuchar más mis quejas hicieron que me lo regalaran el pasado abril.

Evidentemente, ante el planteamiento del desnudo aparece el dilema de la pornografía y la mera contemplación del cuerpo como elemento puramente sexual, alejándose de cualquier consideración artística. En realidad, el problema resulta del concepto de pornografía únicamente a partir de sus connotaciones más negativas, en general centradas en la sumisión de la mujer a partir de una estructura social mayoritariamente patriarcal.

No pretendo generar debate alrededor de este concepto, aunque es evidente que esa delgada línea que separa lo artístico de lo vulgar resulta altamente atractiva. Incluso, yendo un paso más adelante, lo controvertido de hallar lo artístico dentro de lo obsceno, o tratar de encontrar un porqué a la evolución de la concepción del pudor y de lo impúdico puede convertirse en el detonante de nuestro interés por el mundo de los desnudos en la fotografía. En mi caso, me apasionan las fotografías de desnudos de principios del siglo pasado. Y es probablemente a causa de ese cambio en la percepción de lo erótico, la insinuación y la obscenidad con el paso de los años, que me muestra en cierta manera lo inusual pero sin lugar a dudas pudoroso del erotismo de esa época.

A comienzos de la década de 1850 empezaron a aparecer en Francia las primeras fotografías que presentaban el cuerpo femenino de la mano de fotógrafos como Eugène Durieu o Félix-Jacques-Antoine Moulin. Durante los primeros años del siglo XIX, después de la revolución francesa, los cuerpos masculinos habían copado la atención de los artistas. Sin embargo, a partir de la Segunda República francesa (1848-1852) esa atracción se fue desplazando hacia el erotismo del cuerpo femenino, en cierta manera la antítesis del masculino, que era mucho más esbelto y enjuto.

Las primeras fotografías de desnudos eran consideradas documentos, no obras de arte, y no tuvieron una buena acogida por parte de la opinión pública, por lo que no se exponían junto a otras fotografías en galerías. Aparecieron por supuesto distintos niveles en la fotografía: mientras algunas buscaban la belleza a través del desnudo, otras tantas se centraban en simplemente en desnudez como elemento fetiche. Y es que gran parte de las fotografías, concebidas teóricamente como estudios para pintores u otros artistas, que los utilizaban como modelos, se convirtieron en objetos pornográficos que alimentaban el voyeurismo de parte adinerada de la población, carentes de interés o de la suficiente educación como para sentirse atraídos y cómodos con la pornografía en forma literaria, que había sido hasta entonces el medio usado por la élite para acceder a ese tipo de productos.

En Inglaterra, las mujeres también coparon el arte de la fotografía, pero en este caso mayoritariamente vestidas, alentadas por el recato aparente de la sociedad victoriana. Se reflejaban en ellas el culto a la vida doméstica y, en un segundo plano, el limitado papel de la mujer, alejadas de los negocios y la política. Lady Hawarden o o Julia Margaret Cameron son algunas de las fotógrafas más destacadas de la época.

Contemporánea a ellas, aparece Gertrude Käsebier y posteriormente, Annie W. Birgman, coincidiendo con el desarrollo del femenismo moderno, entre 1890 y 1920. Brigman huye de los convencionalismos sociales y defiende la libertad física de la mujer, comenzando por el abandono de los trajes ajustados y los corsés a favor de otros vestidos más sueltos. La presencia de la naturaleza como símbolo de libertad evidencia esa intención, como podéis ver en la siguiente fotografía.

A menudo, eran prostitutas las protagonistas de fotos a mujeres. Aún así, el control de una mujer sobre su propio cuerpo queda cada vez más patente, como se aprecia, por ejemplo, en la foto de Alice Austen en “Julia Martin, Julia Bredt y yo disfrazas de hombres”, en la cual ella y sus amigas se visten de hombres, por supuesto en contra de cualquier convención existente.

Evidentemente, a lo largo de los años la concepción del desnudo, del cuerpo femenino y su relación con el papel de la mujer en la sociedad ha ido evolucionando. Más adelante hablaremos de ello, pero de momento os dejo un documental sobre el tema y un ligero tentempié con algunas de las obras de grandes fotógrafos contemporáneos como Guido Argentini o Guy Bourdin. Bon appétit.

Fuentes: Pultz, John. La fotografía y el cuerpo. Akal. Arte en contexto: 5. Madrid, 2003.
LaSala, Anthony. Desnudos: grandes fotógrafos del mundo. Las historias tras sus mejores imágenes.
Electa. Barcelona, 2007