La primera vez que lo usé he de admitir que me fascinó. A lo largo de los años había ido dejando de descargarme música de internet para escucharla en streaming, y descubrir Lastfm resultó todo un logro. Si bien ahora mismo tenemos plataformas potentes como Spotify o Grooveshark -aunque parten de un planteamiento inicial totalmente distinto -en su momento la más conocida era ésa. Sin embargo, el cambio en su modelo de gestión, que lo convirtió todo en servicio de pago, me desencantó, y con el tiempo terminé abandonándolo.

Last.fm se resume esencialmente un servicio de recomendaciones musicales con tintes de red social. El usuario puede usarlo también para escuchar ya sea su colección personal como cualquiera de las radios por estilos que ofrece. Las recomendaciones funcionan a través de scrobbings, unas notas que informan al programa de la música que estamos escuchando y que él usa para proponernos otras canciones o artistas que nos pueden interesar.
Así, su gran ventaja, y lo que lo convierte en la mejor en su campo es el sistema de etiquetado que utiliza y que nos permite seleccionar entre estilos musicales muy variados y descubrir a nuevos artistas similares a nuestros habituales: si, por ejemplo, buscamos “The Beatles”, aparte de información biográfica, discográfica y demás historias, encontraremos la radio “The Beatles” con artistas como Jimmy Hendrix, Badfinger, The Kinks o Yardbirds, y podremos explorar directamente a través de las etiquetas que se le adjudican, como 60s, british o psychedelic.
Su interfície ciertamente no es tan atractiva como la de Spotify, pero resulta bastante intuitiva y está bien organizada. El mayor handicap de Last.fm es que actualmente gran parte del contenido es de pago, pero hay que decir que la suscripción es sustancialmente más económica que la de Spotify, por ejemplo, cosa que lo convierte en un producto bastante atractivo.

Spotify, por su parte, ha ido ganando terreno en los últimos años, convirtiendose para muchos en el programa por excelencia para escuchar música en streaming. En realidad no tiene mucho misterio: eliges qué quieres, ya sea un álbum o una canción, lo seleccionas y te lo reproduce. Su opción de radio, sin embargo, deja bastante que desear. Desde agosto es un sistema de pago, o gratis con limitación de 10 horas mensuales y 5 repeticiones por tema musical, además de añadir una cantidad insufrible de interrupciones por publicidad.

Una de las grandes críticas sobre Spotify es el hecho de que no es posible escuchar a determinados artistas, como Led Zeppelin o Pink Floyd, debido a los diferentes acuerdos a los que ha llegado con las discográficas. En realidad, la crítica debería ser extensible a Last.fm y Grooveshark, que tampoco lo permiten, pero en este primero el planteamiento va más allá de la mera escucha de un disco, por lo que la situación resulta como mínimo menos evidente, y con el segundo, tratándose de un portal gratuito, sin limitaciones ni publicidad, tampoco vamos a meternos.

Porque sí, las principales ventajas de Grooveshark son su no-precio, su no-publicidad y sus no-limitaciones, que no es poco. La versión gratuita es muy completa, funciona a través de la web y tiene una interficie que resulta también bastante intuitiva, aunque personalmente no acaba de convencerme. Además, dispone un sistema de radio interesante, podemos usarlo sin estar registrados, nos permite crear listas y subir canciones-aunque cuidado, entonces somos nosotros, y no Grooveshark, los responsables de lo que hemos subido!

Existen, por supuesto, otras alternativas, como rockola.fm, la versión española de Last.fm, una buena opción, gratuita, basante completa y sin publicidad, a las anteriormente planteadas. Eso sí, no pidáis peras al olmo: es como escuchar continuamente las interminables listas de la revista Rolling, o como un m80 sin anuncios, que viene a ser lo mismo.

En todo caso, habrá que ver cómo acaba todo. Como siempre, las nuevas tecnologías se están planteando como una amenaza para la cultura musical, en vez de aprovecharlas para elaborar proyectos en los que tanto creadores como consumidores salieran beneficiados; evidentemente, a parte de los intermediarios la pérdida de ese papel esencial no les interesa, y harán todo lo que posible para influir en la opinión pública y conseguir que no salgan adelante. Así que ya veremos.

La primera vez que los escuché fue a los seis años convertidos en banda sonora por una cinta de cassette que le habían grabado a mi padre y que yo ponía en el coche compulsivamente. Recuerdo que a esa cinta la acompañaba otra en forma de recopilatorio que tenía como cabeza de cartel el ‘Killer Queen’ de Queen. No recuerdo nada más, y lo prefiero, me gusta ir encontrando poco a poco las piezas del rompecabezas.

En realidad, no había mucho misterio: la estadística más generalista se vuelve unánime y te conduce directamente a ‘The Beatles’ y a ‘The Rolling Stone’ como a las dos únicas grandes opciones a tener en cuenta. Discrepo, pero parece ser que es lo que vende. Evidentemente, fueron The Beatles los reyes de mi cinta, los Rolling están sobrevalorados.

Mi ‘beatle’ favorito ha ido cambiando a lo largo de los años: Paul el ñoño, John el mito, George el actor secundario, Ringo el infravalorado. Es una cuestión bastante absurda, aunque no deja de tener su lógica, sobre todo en los últimos años la banda, en los que se perfilaban más claramente las diferencias musicales entre ellos.

Hace unos días vi el trailer de ‘George Harrison: Living in the material world’, el del documental que Martin Scorsese presentará en el Festival de San Sebastián coincidiendo con el décimo aniversario de la muerte de Harrison. No soy muy dada a ver documentales musicales de grandes grupos, porque a menudo sucede que se convierten en películas biográficas destinadas a vender palomitas a mitómanos, que no melómanos, pero en todo caso me alegra ver por fin a George Harrison como protagonista.

Ciertamente -que no acertadamente- eclipsado por el binomio Lennon-McCartney, a lo largo de toda la trayectoria de la banda Harrison se convirtió en un elemento indispensable, hecho evidenciado descaradamente al final de The Beatles. Aún así, ya los primeros discos firmaba buenas pistas, como ‘Don’t bother me’, en ‘With the Beatles’ (1963), o ‘I need you’ y ‘You Like Me Too Much’, en álbum ‘Help!’ (1964). Se trata, como es lógico, de sus composiciones más clásicas.

Personalmente, me fascina ‘In my life’, de Lennon. Siempre he pensado que ‘Rubber Soul’ (1965), álbum en el que se encuentra, fue objectivamente el mejor disco del grupo, marcando un punto de transición evidente en la banda. Oficialmente, disputa con ‘Revolver’ (1966) la adjudicación de ese título, aunque por desgracia tiene las de perder: resulta complicado competir con la fuerza instrumental y psicodélica de canciones como ‘I’m only sleeping’, ‘Eleanor Rigby‘ ,o con la clásica ‘For no one’. Para el primero, Harrison escribió ‘Think for yourself‘ y ‘If I Needed Someone‘. En Revolver incorporó la primera canción con inspiraciones hindús del grupo, ‘Love you to’, tendencia que siguió en ‘ Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band’ (1967) con ‘Within You Without You’. Os dejo ‘Taxman’, una de las más conocidas.

Sin embargo, sus mejores canciones aparecerían unos álbumos más adelante. En 1968 nos cruzamos mi preferida, la balada ‘While My Guitar Gently Weeps’ dentro del ‘White Album’, en la Eric Clapton toca como primera guitarra, y dos años más tarde, en el gran ‘Abbey Road’, encontramos la aclamadísima ‘Something’ junto con la deliciosa ‘Here comes the sun’. ‘Something’ se ha convertido en la segunda canción de The Beatles más versionada de la historia, llegando a ser interpretada por Elvis Presley y Frank Sinatra.

Separados ya los Beatles, Harrison publicó su álbum en solitario más aclamado con el título ‘All Things Must Pass’ (1970), con la joya ‘My sweet Lord’, y grandes éxitos como ‘Isn’t It a Pity‘ o ‘What is life‘. Más adelante añadiría otros tantos a su discografía, aunque con mucha menos repercusión.

Lamentablemente, George Harrison ha sido el ‘beatle’ oculto, discreto; el que no era ni Lennon ni McCartney ni tenía una nariz graciosa; más adelante, se le apreciaría como guitarrista, y se valoraría más que nunca su papel fundamental dentro del desarrollo de la banda. En todo caso, a ver cómo nos lo presenta esta vez Scorsese. Esperaremos.

Anvil fue una de las bandas de metal más populares de mediados de los ochenta, al nivel de Metallica o Anthrax. Lamentablemente, no supieron estar en el lugar adecuado en el momento adecuado, puesto que poco después cayeron inexplicablemente en el olvido.

El documental se centra en su lucha por volver a lo más alto, treinta años después, de mano de los dos únicos componentes de la banda original, el cantante Steve “Lips” Kudlow y el batería Robb Reiner, que han permanecido juntos desde el principio ensayando y soñando con recuperar ese éxito perdido.

Más allá del típico documental biográfico para mitómanos (véase “When you’re strange“), su director Sasha Gervasi consigue retirar el caparazón de marketing estratégico que suele rodear a este tipo de historias hasta alcanzar sus más profundas entrañas y mostrárnoslas en su estado más puro. Anvil habla de lucha, de ilusión, de desespero, de amistad, de la obstinación por logran un sueño que parece cada vez más alejado, y lo hace eludiendo melodramas de lágrima fácil.

Lips y Robb se nos presentan casi como dos adolescentes con aspiraciones de estrella del rock, deseando por encima de todo demostrar que han nacido para eso, o demostrárselo a ellos mismos, convencerse de que sí, de que ellos también tendrían que haber estado allí. Porque son ellos los que nos interesan, cómo son, cómo actúan, cómo se sienten; es precisamente esa profundidad que adquieren la que convierte a Anvil en algo excepcional.

Anvil, no os engañéis, no es un film fácil de digerir; nos muestra la cara más cruda del desespero, de la lucha por dar sentido a aquello por lo que has caído y te has levantado tantas y tantas veces, y de cómo el tiempo se acaba sin dar luz a esa oportunidad que siempre has esperado.

No lo olvidéis, se agarrará a vosotros y no os dejará marchar. Y simplemente por eso, por salir de la sala y ser consciente de que acabas de presenciar uno de los mejores documentales con los que te has cruzado jamás, y de que estás llevando una parte de Anvil a casa, vale la pena verlo.

Todavía me pone los pelos de punta su interpetación de Ball & Chain, de Big Mama Thornton, en el Monterey Pop Festival de 1967 junto a Big Brother and the Holding Company, lo que sería algo así como la antesala del Woodstock del 69. Cuenta la leyenda que Janis, por aquel entonces una total desconocida, hizo una primera actuación asombrosa y, puesto que no la habían grabado, le pidieron que volviera a actuar al día siguiente, donde ofreció otro espectáculo impresionante. Dicha grabación la vi hace poco en un documental sobre el Monterey Pop que mostraron en In-edit, el festival de cine documental musical de Barcelona. Toda la sala enmudeció ante tan fastuosa interpretación. Hasta el momento, todavía nunca he visto nada igual.

En realidad, sólo hace falta ver algunos de sus directos para comprender que había nacido para eso. En Woodstock volvió a demostrarlo, esta vez con Work me, Lord.

Y evidentemente, su majestuosa interpretación de Summertime, que definiría como sublime, pero odio esa palabra, así que dejo como majestuosa, que ya está bien.

Resulta sorprendente que haya personajes que todavía se atrevan a versionarla: esa poderosa voz rota y temblorosa es claramente inimitable. La primera canción suya que escuché, y una de las que más me gusta es ese ya clásico Me and Bobby McGee, original de Kris Kristofferson, efímero compañero de cama de Janis. Y suerte, porque la de Kristofferson es somnífera. “Freedom’s just another word for nothing left to lose”, grita Bobby, convirtiéndolo en todo un himno hippy.

Fue un símbolo de fuerza feminista, la mayor mujer estrella de rock de su época, siempre aderezada por matices dramáticos alrededor de su vida sexual y sus problemas con las drogas y el alcohol. Y cuarenta años después de su muerte aún sigue ahí, entre los más grandes. Janis, la inolvidable, la de los movimientos bruscos con voz ronca, la que prematuramente entró a formar parte del Club de los 27, junto a Jim Morrison y Jimmy Hendrix. Lástima que mucha gente viva ajena a esto: todo el mundo debería tenerla escondida en algún rincón de la memoria, por remoto que fuese, aunque sólo fuera como uno de esos argumentos de verdades irrebatibles.

Suelo marearme en los trenes, así que normalmente mis trayectos no se ciñen a la mera contemplación de algo parecido a un paisaje, sino más bien se convierten en una lucha interna por parecerme a M.A de “El equipo A” y poder llegar durmiendo plácidamente a mi destino.

No obstante, días como el de ayer hacen que me olvide de esas tonterías y que me siente de vuelta en el vagón con una sonrisa puesta en los labios. Y es que salir de la estación y ver que hay un piano en medio Barcelona, y que con relativa timidez algunos aficionados se acercan y tocan también con relativa espontaneidad lo que mejor se conocen, o lo que más les apetece, da lo mismo, no puede provocar más que esa sensación.

Por lo que supe después, se trataba de una de las actividades OFF organizadas por el Concurs Internacional de Música Maria Canals, paralelas a la prestigiosa competición, en la que un piano de cola paseaba con el emblema “Seu. Sóc a les teves mans” (Siéntate, estoy en tus manos) por distintos lugares de Barcelona para que cualquiera que quisiera pudiera tocarlo. Ayer en concreto, se encontraba en la Plaza Catalunya, rodeado de curiosos, jóvenes con partituras y de un señor mayor que intentaba convencer a todo el mundo para que tocara. Recuerdo sobretodo cuando un joven se acercó al piano y tocó algo que yo no reconocí pero que, sin embargo, otras dos chicas sí, pues se levantaron, se colocaron a su lado y comenzaron a cantar. Fue realmente mágico.

Iniciativas como ésta permiten acercar mundos que suelen convivir ajenos, lejos de los típicos virtuosismos, y de los que, en realidad, cualquiera podría disfrutar, pero vete a saber por qué, nos negamos a hacerlo. Y es que la cultura, en cualquiera de sus formas, no debe estar restringida a quienes por etiqueta tienen el derecho a ejercerla, o a vivir de ella.

En todo caso, os dejo algunos otros videos de “el Maria Canals porta cua”.

Una de mis favoritas pertenece a la película Casi Famosos, de Cameron Crowe. Para los que no la hayan visto, básicamente explica la historia de un joven reportero que, por encargo de la revista Rolling Stone, se une a la gira de la banda Stillwater. Éste se ha convertido casi en su momento más conocido, en el que interpretan a Elton John en el autbus, pero aún así, aún habiéndolo visto ciento veinte mil veces, sigue pareciéndome mágico.

En esa misma película encontramos también otro gran momento melómano, gracias en este caso a un personaje tan secundario como es el de la hermana del protagonista y que, sin embargo, da sentido a la película, pues supone el inicio de su interés por la música.

Y siguiendo la misma línea, tropezamos con las Vírgenes suicidas. Como ya os comenté, en este filme la música consigue magnificar la historia, gracias por supuesto a un sinfín de imágenes casi místicas. Éste es uno de esos momentos, en el que una llamada telefónica se convierte en algo completamente extraordinario.

Hay que echar una mirada atrás para cruzarse con esta fantástica interpretación de Bette Davis para Qué fue de baby Jane, en la que podemos verla en tal estado de decadencia, que resulta hasta doloroso. Me encanta esta película, y este trozo es solamente una muestra de todo lo que ofrece.

Otra de mis escenas predilectas viene de la mano de Christina Ricci en Buffalo 66, películas de esas a las que de vez en cuando tachan de independientes. No podría explicarlo con argumentos lógicos, pero me fascina. Supongo que debe ser esa extraña combinación de bolos y piernas rechonchitas bailando claqué. Sea como sea, no puedo parar de verla.

Hay ocasiones en las que, sin tener determinadas aspiraciones mitómanas, ciertas películas nos regalan momentos increíbles.

Una de ellas es, sin duda, Pequeña Miss sunshine. ¿Quién no recuerda la primera vez que vio la escena final y ese “Super Freak” insuperable?

Para acabar, me gustaría presentaros la que se convirtió en mi escena de referencia durante unos meses cuando quería hablar de momentos felices. Pertenece a la película The Wonders, sin duda, de esas que te dejan con la sonrisa puesta al salir del cine. Éste es el momento en el que oyen por primera vez una canción suya en la radio. Impagable.

Uno de los aspectos que más valoro de una película es su banda sonora. En realidad, no es la banda sonora en si, sino su capacidad de llegar a transmitir lo que las imágenes solas no serían capaces o, lo más importante, de conseguir hacerlo de una forma perfectamente simbiótica.

Personalmente, tengo especial debilidad por las películas Hayao Miyazaki. Si tuviera que quedarme con alguna, probablemente sería con Mi vecino Totoro, no por ser la mejor, sino porque me recuerda a la dedicatoria de Antoine de Saint-Exupéry a Leon Werth en El Principito. Pero como Totoro es quizás un poco mayor, propongo otra de las canciones de su compositor, Joe Hisaishi, en este caso, de El Castillo Ambulante.

La que se convirtió en mi película favorita de 2008, Despedidas (Okuribito), es también la que tiene una de las bandas sonoras más bellas. De origen nipón, y protagonizada por un violonchelista en paro, Despedidas se convierte por antonomasia en un paseo mágico entre tradiciones, sentimientos y melodías maravillosas.

Por supuesto, no podía faltar Yann Tiersen, compositor de la banda sonora de la deliciosa Amélie. ¿Quién es capaz de no sonreir cada vez que la vuelve a escuchar?

Por último en esta primera entrega, querría hacer mención a la adaptación de Sofia Coppola del libro de Jeffrey Eugenides con el que comparte título, las Vírgenes suicidas, y que da mil vueltas al original gracias precisamente a la banda sonora que la rodea. Y es que, más que la música en sí, e incluso más que sus místicas imágenes, es la combinación entre lo que vemos y lo que oímos la que supera lo extraordinario. Aún recuerdo la primera vez que la vi, y cómo me maravilló el momento en el que unos gemidos pasan a ser, por arte de magia, parte de la envoltura musical de la escena. Volveremos a hablar de ella más adelante, pero de momento, os dejo una de sus canciones, de la formación francesa Air.

Evidentemente, esto ha sido sólo un tentempié. Más adelante seguiremos con Almost famous, the Straight Story, the Virgin Suicides, An Education o el legado Disney, entre muchísimos otros.

(Incluso Cameron Crowe se atrevió a describir el periodismo musical de la mano de Rolling Stone en la ya clásica “Almost Famous”.)

“The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars”, el mítico disco de David Bowie, me recuerda, tal y como explicaban mis apuntes de matemáticas, a una parábola: Ziggy llega y se crece  hasta alcanzar el clímax, acabando finalmente cayendo de forma vertiginosa. En realidad, para eso sirven las matemáticas, para explicar cosas.

Unos cursos más he de avanzar para intentar describir la evolución de la revista Rolling Stone.

Me topé con su versión española por vez primera a mis 13 años. Y debió ser una mezcla de curiosidad y de vergüenza, porque de buena gana me habría llevado también una de esas revistas para adolescentes salidos.

No sólo me gusto: me encantó. Evidentemente se trataba de una revista para todos los públicos, música de multitudes que no pretenden ampliar la baraja, sino simplemente conocer algo más de lo que ya tienen. En definitiva, una apuesta por lo seguro, sin más pretensiones que las referidas a la calidad y hasta cierto punto originalidad de sus artículos. Y funcionaba: reportajes completos, relativa variedad temática, mucha música, algo de política y de vez en cuando algún que otro guapito guai para amenizar la velada.

Pero, como en una función matemática, la revista Rolling llegó a su punto álgido: de repente, el tamaño de los reportajes empezó a reducirse al tiempo que los guapitos guais y no tan guais iban ganando portadas. Y comenzaron a salir “one hit wonders” de debajo de la cama para ir destronando paulatinamente a los ya residentes entre sus páginas: Paulina Rubio apareció en portada como dios la trajo al mundo, y a Angelina Jolie sólo le faltaron unas fresitas para ser digna de la revista Playboy. Incluso Eto’o posó como sacado de un anuncio de esteroides para futuros musculitos. Finalmente, llegó el éxtasis que todos esperábamos: UPA dance aparecerían en abril de 2003 en una portada que habrían vetado hasta en SuperPop.

Evidentemente, la discutida calidad de la revista no se vio afectada sólo a primera vista: futbolistas, políticos y showmen ocupaban ahora gran parte del contenido, aparcando en definitiva la esencialidad de la Rolling, en la que música, sociedad, moda, política deberían haber tenido cabida, pero desde un punto de vista más racional, lógico y coherente.

Sin ir más lejos, en agosto de 2009, alejados ya del abismo por el que se había desplomado la revista, se dedicaron más de 20 páginas a lo que se llamó “HOT09”, curioso apartado en el que se mezclaban la archiconocida actriz porno  Sasha Grey, el reportaje titulado Rocklover, literalmente “trucos para ser un auténtico follador”  o “Esto es una orgía”, un morbo-reportaje sobre estrellas del rock digno de cualquier programa de Jaime Cantizano.

Un mes antes, en julio de 2009, en el reportaje en portada , “El Rock del Congreso”,  grandes expertos de la música como Nacho Uriarte, Rosa Díez o  Fernández de la Vega confesaban, entre otras cosas, que Nena Daconte había sido su gran descubrimiento del año . Y, oh sí, como les sobraron dos páginas, decidieron invertirlas en publicar un listado con los gustos musicales de todos los congresistas españoles. Orgásmico, sí señor.

Mientras tanto, y hasta que vuelvan a escribir algo menos propio de estudiantes de secundaria, podremos disfrutar de sus grandes listas de “las mejores canciones de…”, “los mejores discos de…”,  “las mejores canciones por…” o “los mejores discos por…”. Todo un lujo.

Han sido dos años de sequía compositora, pero finalmente los andaluces nos podrán presentar nuevo trabajo. Y para ello estrenan sello: Mushroom Pillow (The Sunday Drivers, Sr. Chinarro, La Habitación Roja, Deluxe…) y dejando atrás una larga y fructuosa etapa editando sus proyectos al lado de la discográfica Limbo Starr.

Para quienes aún no tengan el placer de haber disfrutado de la imaginería de Maga, deben saber que estos jóvenes (ya no tan jóvenes) llevan a la espalda 3 LPs des de el año 2002. Su EP de debut (“Bidimensional“)  y así mismo su primer LP (“Maga” o más conocido como “el Blanco“) fueron escogidos como “de lo mejor” de sus respectivos años por las webs Muzikalia.com y Supernovapop.com (webs que lideran la información musical independiente en España). Sus dos trabajos siguientes siguieron esta linea (más experimental en el “disco Negro“, más directo en el “disco Rojo“), recibiendo alabanzas por diestra y siniestra.

Su líder, guitarra, voz y compositor Manuel Rivera se ha fraguado un lugar en el mundo musical independiente realizando colaboraciones al lado de diferentes músicos y componiendo las B.S.O de las películas de Santi Amodeo. Pero donde podemos ver su auténtica firma es con Maga. La procedencia de su nombre (la enigmática protagonista de “Rayuela“, la eterna novela de Julio Cortazar) ya nos da muchas pistas sobre las bases del grupo: la expresión minimalista, los símbolos y su entrañable incoherencia envuelven a todas sus letras y acordes. Embarcarse en su mundo es perder el rumbo con ellos.

Y de nuevo vuelven a las andadas. En su myspace (www.myspace.com/maga.maga) nos dan dos canciones como preludio. Y si, es Maga y se nota por todos sus rincones. Esperemos que el disco no defraude a sus “celestes” (así se hacen llamar sus seguidores) y podamos verlos de nuevo rondando los escenarios del país, llenando salas y haciendo saltar, como vi más de una vez, las lágrimas de su público.

Lo admito: sí, yo veía Las Chicas Gilmore. Y sí, lo admito también, me gustaba. Por suerte, creo que no soy la única. Tal y como describía uno de los usuarios de filmaffinity, se trata de una serie que aparentemente se ajusta perfectamente a las típicas americanadas de sobremesa: familia guai que vive en un pueblo guai, con vecinos guais, donde todos son felices y comen perdices.

Pero después de un par de capítulos, te das cuenta que sus protagonistas escuchan a Björk, The Shin y a Carole King, han leído ciento veinte veces el Guardián entre el centeno y adoran el cine de los años 20 y 30. Que la serie tiene unos personajes secundarios extraordinarios, y que saben sacarle jugo hasta a la cola de la caja del supermercado. Y que así lo hacen también con su banda sonora.

Hay tres puntos a destacar por lo referente a la música: la aparición estelar de los trovadores, los ya casi míticos lalala’s y los cuidados gustos musicales de las protagonistas.

Lo primera impresión que nos llevamos al ver al trovador del pueblo es la de un tipo raro ligado siempre a una guitarra que parece no tener nunca frío. La segunda vez que lo vemos, nos damos cuenta de que es el tipo raro ligado a una guitarra con el que, en cada momento, la serie consigue traspasar la pantalla, atrayendo al espectador e involucrándolo en la vida de los personajes de la serie. Grant Lee-Phillips interpreta al imprescindible habitante de Stars Hollow que se pasea por los capítulos regalando música por sus calles. Impagable.

Aparecen entonces los lalala’s , la música que caracteriza propiamente a la serie: melodías compuestas e interpetadas por Sam Phillips que acompañan a los personajes allá donde vayan. Y finalmente se adereza ese cóctel sonoro con todo un arsenal de referencias musicales de mano de sus protagonistas: Lorelai Gilmore admira a Metallica; Rory Gilmore, a PJ Harvey. Y de fondo, música indie de los 80 y 90. Todo un lujo.